Hobopok Dimanche

Le septième jour

2012-01-31T00:03:00.002+01:00

Retenu pour les Oscars® 2012 dans la catégorie du meilleur court métrage d'animation, un bien joli film du Québécois Patrick Doyon.

Un de plus en moins

2012-01-30T09:25:00.005+01:00

Cette cyber gazette, dont on ne louera jamais assez la clairvoyance, n'avait nullement l'intention de tenir régulièrement une rubrique nécrologique, mais il faut bien se résoudre à constater que le série noire continue comme prévu : après France-Soir, c'est cette fois-ci le quotidien économique La Tribune qui publie ce jour son ultime numéro avant de quitter définitivement les kiosques, en attendant une reprise qui s'efforcera de faire perdurer le titre sur supports électroniques.

Mon vieux maître, dont la sagesse se mesurait à la longueur de sa barbe blanche, me serinait : "Le journal, ça sert à emballer le poisson !". Je ne crois pas que le poissonnier parviendra jamais à rouler trois dorades dans un iPad.

Poulet au vinaigre

2012-01-21T00:39:00.002+01:00

J. Edgar de Clint Eastwood.

Renseignements généraux. Un demi-siècle dans la peau de J. Edgar Hoover, homosexuel pas très bien caché, anti-communiste paranoïaque, forcené de la classification, et inventeur du Federal Bureau of Investigation, qu'il dirigea jusqu'à sa belle mort, après avoir empapaouté huit présidents étasuniens avec ses petits dossiers secrets.

Avec ce sujet d'une envergure exceptionnelle, une personnalité hors du commun, 48 ans de l'histoire des Etats-Unis d'Amérique, une plongée au cœur du contrôle policier d'une supposée démocratie, le moins qu'on puisse dire est que Clint nous barbe passablement, forçant le spectateur à guetter la fin de cet ennuyeux et longuet biopic au cadran de sa montre. Se bornant à illustrer assez platement des faits plus ou moins connus, le réalisateur échoue mystérieusement à dépasser l'anecdote pour livrer un point de vue original sur le caractère d'Hoover, qui ne manque pourtant pas de sel, comme sur le système policier que le personnage avait mis en place et qui lui a non seulement survécu pour perdurer jusqu'à aujourd'hui, vu qu'il avait inventé la fameuse autant que fumeuse guerre contre le terrorisme, mais sert de modèle de par le monde, jusqu'à chez nous où on ne compte plus les tentatives, souvent risibles, de créer des FBI à la française. Le film se contente d'allusions aux relations ambiguës entre le policier et le pouvoir politique, sans jamais creuser les rapports de force entre les deux, à l'avantage du premier, puisqu'Hoover n'aura quitté son Bureau que pour cause de décès. Sans vraiment dénigrer son J. Edgar, Clint n'en donne pourtant pas un image très reluisante, alors qu'on aurait pu a contrario explorer davantage sa clairvoyance du fait de sa foi pionnière en la police scientifique. C'est un peu comme si depuis l'au-delà, Hoover avait encore assez de pouvoir pour tuer dans l'œuf toute tentative d'approcher une quelconque vérité à son sujet...

Après Invictus, chroniqué naguère dans ces colonnes, Clint déçoît à nouveau. En cherchant bien, on peut pourtant trouver un mince mérite au film : la qualité des maquillages qui permettent aux mêmes acteurs d'incarner le même personnage à cinquante ans d'intervalle dans le récit. Pour arranger les figures vieillissantes, les maquilleurs d'Hollywood ont nettement progressé depuis Citizen Kane. Sans que ça réussisse vraiment au citizen Eastwood.

Crash-test :

MMXII

2012-01-10T18:36:00.004+01:00

La rédaction d'Hobopok Dimanche est bien aise de présenter ses vœux à ceux de ses fidèles lecteurs qui auront survécu à la précédente année, un miracle qui n'est pas appelé à se répéter éternellement.

Le cauchemar avant Noël

2011-12-24T23:11:00.007+01:00

Mission : Noël - Les Aventures de la famille Noël de Sarah Smith.

Décompte de Noël. Pendant la nuit de Noël, la petite entreprise familiale du Père Noël, devenue un conglomérat du cadeau à la pointe du progrès, commet une légère bévue, due à un excès de technologie : une enfant a été oubliée à l'issue de l'impressionnante tournée de livraison. Le plus maladroit des fils du Père Noël va s'allier à son grand-père gâteux pour sauver la mise, à l'ancienne, en traîneau, sans GPS.

On comprend dès l'argument le propos subtil du film : c'était mieux avant, et toute cette technologie envahissante, ce culte de l'efficacité, l'objectif zéro défaut, sont autant d'excès qui nuisent à l'esprit de Noël, cher aux anglo-saxons. Pas d'une finesse absolue, ni d'une grande originalité, mais soit, on on peut simplifier pour des enfants. Malheureusement, l'animation et la réalisation ont beau être honnêtes, ils sont surtout aussi convenus que le propos : les gags s'enchaînent sans surprise, l'armée des elfes reste un magma indistinct, et les trois générations de pères Noël tendent à diluer la fonction. Seule la fin, avec la passation de pouvoir au fils nigaud mais au grand cœur, ménage enfin un peu d'émotion.

On se demande surtout quelle cible ce film vise vraiment : des très jeunes enfants qui croient au gros bonhomme rouge, auquel cas le film va leur paraître bien brutal et confus ? Ou des plus grands qui se moquent du Père Noël mais sont trop occupés à jouer avec leur DS pour entendre un début de critique sociale ? En tout cas pour les adultes, la magie n'opère plus.

Crash-test :

Esquimaux givrés

2011-12-23T13:09:00.004+01:00

On The Ice d'Andrew Okpeaha MacLean.

Du sang sur la banquise. Partis chasser le phoque à trois, des ados un peu paumés en Alaska reviennent à deux, après un tragique mais inavouable accident. La culpabilité du drame sera comme une patate chaude que se refilent les survivants, sans parvenir à faire fondre la glace.

En basant son récit dans la petite ville arctique de Barrow, qu'il connaît bien pour y avoir grandi, MacLean donne une tonalité autobiographique et quasi documentaire à sa description d'une communauté aléoute contemporaine. On y voit une jeunesse étasunienne plus désorientée encore que la moyenne, car souffrant d'un certain décalage entre ses rêves de modernité et son mode de vie d'inspiration traditionnelle, perverti par l'alcool, la drogue, et le rap. Mais le film n'arrive guère à concilier chronique sociale, étude de caractère, et mystère criminel, roulés ensemble dans la même peau de phoque.

On peut surtout s'étonner que le réalisateur ait noyé la quasi totalité de son film dans une musique lancinante et pesante qui recouvre le silence ouaté des paysages de neige, et empêche les spectateurs de respirer à pleins poumons l'air glacial de cette histoire.

Crash-test :

Bœuf tropical : mise à jour

2011-12-22T00:03:00.000+01:00

Musiques créoles, collectif.

Aux dernières nouvelles, cet indispensable florilège exotique de bandes dessinées musicales de l'océan Indien, au prix modique sans commune mesure avec le plaisir qu'il procure à ses lecteurs, est désormais disponible en France hexagonale, et ailleurs, grâce à la magie d'internet. On peut maintenant le commander ici, sans trop d'espoir toutefois d'être livre avant Noël 2011. Mais bon, il y a toujours les étrennes.

Les enfants d'Hergé

2011-12-21T02:29:00.009+01:00

Les aventures de Jo, Zette et Jocko d'Hergé.

C'est la face cachée de l'œuvre d'Hergé, qui n'a bien sûr pas la portée métaphysique de Tintin, mais qui pour autant ne mérite pas tout à fait l'obscurité à laquelle elle semble condamnée, et d'où cette réédition parue en 2008 tente - en vain ? - de l'extraire. A moins bien sûr qu'il ne s'agisse d'une nouvelle tentative de convertir le simple nom d'Hergé en bon gros euros sonnants et trébuchants, mais qui pourrait raisonnablement en soupçonner Casterman ?

Commençons par noter que pour pour une intégrale un rien onéreuse, il y a une sacrée belle coquille page 262 où le calque du texte anglais s'est subrepticement glissé à la place du texte français dans la bulle de l'une des cases. Franchement ça la fiche mal. De là à accréditer la théorie que Casterman ferait le boulot à la va-vite pour convertir... gnagnagna... etc... Et cette coquille est bien dommage car l'objet, ramassé et compact, est bien pratique et agréable à lire à défaut de déborder du charme désuet des rééditions en fac-similé.

La série fut créée en 1936 pour répondre à la demande du magazine catholique Cœurs vaillants, qui voulait des petits héros issus, pas comme cet imbécile hors sol de Tintin, d'une vraie famille avec un vrai papa qui travaille vraiment dans un boulot vachement intéressant et une vraie maman qui fout rien.

Malgré ces funestes prolégomènes, Hergé (et ses assistants) sut faire de cette série de cinq titres une bande dessinée marquée par l'extrême fantaisie d'aventures picaresques mâtinées de scientisme aptes à saisir l'imagination des enfants. Plus abouti, plus mûr, mieux construit, le dernier album, La vallée des cobras, rappelle étrangement le Tigre du Bengale de Fritz Lang. Affranchi de ses obligations par le succès de Tintin, Hergé finit par perdre tout intérêt et renoncer à cette série secondaire après ce titre.

Il est piquant de remarquer que pendant que certains s'échinent, avides de publicité, à faire interdire Tintin au Congo, Jo, Zette et Jocko continuent en toute impunité à trôner dans les rayons des librairies pour la jeunesse, alors que les petits nègres cannibales n'y sont pas beaucoup plus avantageusement dépeints. Pourvu que ça dure...

La fée électricité

2011-12-19T23:33:00.014+01:00

Oh my god ! de Tanya Wexler.

Y a pas de mal à se faire du bien. A la fin du XIXème siècle à Londres, un jeune médecin qui traite l'hystérie féminine à la force du poignet soulage ses crampes grâce à l'électricité en inventant le vibromasseur. Un bienfaiteur de la moitié au moins de l'humanité.

Le spectateur est averti en préambule que cette histoire invraisemblable est tirée de faits réels. Elle renvoie à une époque pas si lointaine où la médecine apportait volontiers son concours à la castration sociale des femmes, taxant d'hystérie toute bouffée de chaleur ou tout comportement menaçant pour le mâle dominant. Ce film au sujet original, quoique de facture très classique, appuie (contrairement à son héros) là où ça fait mal, mettant en évidence comment le contrôle de la sexualité féminine est éminemment politique, sous couvert d'une comédie flegmatiquement britannique et diablement efficace.

Le film souligne ainsi le paradoxe de cette société victorienne, patriarcale et machiste sans l'assumer, dirigée par une souveraine élevée au rang de demi-déesse. Mais la reine saura bien se sauver elle-même sans l'aide de Dieu.

Plaignons-nous une fois encore de l'ineptie coupable des distributeurs français qui ont affligé ce bon film d'un titre pitoyable dans le franglais à deux pennies dont ils ont le secret. Le titre original était bref et concis : Hysteria. Etymologiquement : l'utérus...

Crash-test :

Cesaria

2011-12-18T00:02:00.000+01:00

Imbibée de whisky, la plus belle chanteuse du monde.

Tristes tropiques

2011-12-17T13:58:00.011+01:00

Rhum express de Bruce Robinson.

Ne visitez pas Porto Rico. Débarquant dans la colonie étasunienne des Caraïbes, un jeune reporter traîne ses guêtres, boit du rhum, fait de vagues rencontres, ne comprend pas grand chose à rien. Passionnant...

Aveuglé par sa passion pour le journaliste et écrivain Hunter S. Thompson, qui a servi de modèle, Johnny Depp s'est égaré dans ce film qu'on croirait réalisé par un (mauvais) scénariste qui n'entrave rien à l'image et au cinéma en général. Pas une idée ne surnage pendant les 120 minutes (de trop) que ça dure. Les personnages n'ont ni épaisseur ni cohérence, le film ne raconte rien d'intelligible, il ne s'y passe pas grand chose et ce pas grand chose ne fonctionne pas. En fait de rhum, il ne distille à flot continu que de l'ennui du plus fort titre. Si on en retirait toutes les scènes inutiles ou mal ficelées, on se retrouverait avec les génériques début et fin, dont l'utilité à son tour pourrait sembler discutable.

On peut par contre être amené à réfléchir sur la somme de promotion et de marketing qui a accompagné la sortie de ce, euh, comment dire, film ? Une montagne de brouhaha médiatique capitalisant sur la notoriété de la tête d'affiche, pour accoucher d'une souris qui ne vaut pas tripette.

Mais qui donc est ce Bruce Robinson qui signe ce semblant de film ? A la surprise générale, et celle de notre rédaction, il fut l'auteur en 1987 d'une savoureuses comédie autobiographique culte, notamment au Royaume-Uni, qui narrait avec un subtil mélange de verve et de morgue les malheurs d'une jeunesse aussi déshéritée que désabusée, Withail et moi. Il est donc des bouteilles qui vieillissent bien mal.

Crash-test :

Laissez tomber les petits papiers

2011-12-15T00:06:00.003+01:00

Après L'Aurore, Le Matin de Paris, Le Quotidien de Paris, les éphémères La Truffe et Infomatin, on déplore le décès hier d'un nouveau quotidien français. France Soir disparaît des kiosques. On pourrait se réjouir de la disparition d'un journal devenu crypto-nazi entre les mains de son dernier propriétaire, le mystérieux fils d'oligarque russe Alexandre Pougatchev, mais on n'en fera rien car, même s'il n'était plus que l'ombre de ce qu'il avait été, France Soir restait un monument du paysage médiatique, qui avait révolutionné le journalisme français dans les années 50 sous la houlette de Pierre Lazareff, avec un tirage qui flirta à certains moments avec les deux millions d'exemplaires dans une France de 50 millions d"habitants..

Parmi les survivants qui suivent le cortège funéraire, personne n'ose se réjouir non plus, tant on se dévisage du coin de l'œil pour savoir qui sera le prochain sur la liste des chers disparus. Car si France Soir doit ses malheurs en grande part à des années de management erratique, c'est aussi qu'il n'a pas su se réinventer au moment où la presse entame une phase de mutation technologique qui rebat les cartes du grand jeu de l'information dans le monde entier, et qui risque de laisser quelques autres cadavres laminés par les rotatives, en France et ailleurs.

C'est pur jésuitisme que de croire aux déclarations du propriétaire qui clame que son titre va survivre sur le net. France Soir est mort, buvons un coup à sa santé.

On peut quand même encore rire (jaune) en se souvenant de la campagne de publicité qui avait accompagné la pénultième tentative de relance en mars 2010, un oxymore temporel de toute beauté : France Soir, chaque matin !

Le garçon au pyjama rayé

2011-12-14T09:23:00.003+01:00

New York en Pyjamarama de Michaël Leblond et Frédérique Bertrand.

Parmi toutes les merveilles qu'on pouvait découvrir au récent Salon du livre jeunesse de Montreuil, voilà un ouvrage qui sort spectaculairement de l'ordinaire, du genre qu'on est pas près de trouver en version Kindle.

Il a été conçu et réalisé par l'illustratrice Frédérique Bertrand, dont on avait pu précédemment admirer l'astucieux Ding dang dong chez Memo, et Michaël Leblond, qui a remis au goût du jour une ancienne technique japonaise d’animation : l’ombro-cinéma, qui permet par le truchement d'un transparent finement rayé, de donner vie comme par magie à des pages de dessin, en l'occurrence les visions d'un petit garçon en pyjama qui ne veut pas dormir et qui voyage dans un New York de rêve.

Le résultat est proprement stupéfiant, et fascine des heures durant les plus petits comme les grands. Le mieux, c'est encore de voir comment ça bouge.

Avant même de savoir que le livre allait être un immense succès, les éditions du Rouergue avaient programmé une suite, Luna Parc en Pyjamarama, qui doit sortir en mars prochain. On a hâte d'y être déjà.

Fils de pub

2011-12-13T10:06:00.001+01:00

C'est un "artiste de rue" (l'expression laisse beaucoup à désirer) anglais qui se fait connaître sous le nom d'Eyesaw, la "scie à yeux". Dans l'esprit des casseurs de pub français, il se spécialise dans le vandalisme sournois des magnifiques affiches publicitaires que le capitalisme aime à placarder sur les abribus des villes pour nous inciter, Dieu seul sait pourquoi, à acheter des produits trop chers dont personne n'a besoin.

C'est efficace et rigolo. Combien de temps Eyesaw continuera-t-il à faire ce travail de fou, récompensé par quelques heures de gloire anonyme, avant de se retrouver en galerie pour pouvoir s'acheter plein de produits trop chers dont il se passe très bien aujourd'hui ? En attendant, joyeux Noël de la part d'Eyesaw !

Fahrenheit 452

2011-12-12T09:48:00.003+01:00

Voilà quelques jours à la une du New Yorker, le magazine chicos de la capitale du monde, Daniel Clowes lançait un avertissement un rien désabusé à tous les insensés (ou les imbéciles) qui voudraient aujourd'hui se lancer dans la librairie (voire l'édition). Un dessin qui a tapé dans l'œil de notre rédaction, et qui fait tristement écho à un écho récemment publié ici même.

Quadrille

2011-12-11T00:43:00.003+01:00

Carnage de Roman Polanski.

L'enfer, c'est les autres. Réunis dans un appartement new yorkais pour aplanir un différend violent qui a opposé leurs enfants, deux couples pleins de bonnes intentions oublient progressivement toute politesse ou convention sociale et s'envoient à la figure les vérités qui ne sont pas bonnes à dire, chacun n'oubliant pas de passer au lance-flammes son propre conjoint.

Inspiré d'une pièce de théâtre de Yasmina Reza, ce huis clos donne corps à quelques fantasmes sociaux courants comme le vomi sur la table du salon des pédants, ou le téléphone du téléphoniste compulsif jeté dans l'eau des fleurs, qui ont traversé l'esprit de tout un chacun. Polanski y aura opportunément trouvé de quoi conforter son dégoût purulent de l'humanité qu'il cultivait alors au fond d'un cachot suisse. Mais malgré l'admiration que suscite la construction psychologique parfaitement maîtrisée, où il est bien difficile de repérer à quel moment les bornes de l'irrationnel sont franchies, malgré la qualité du quatuor d'interprètes, malgré les moments de franche rigolade que provoque ce jeu de massacre, on serait bien en peine de deviner exactement de quoi le film parle au fond.

Au delà de la critique assez convenue des hypocrisies bourgeoises, où donc Reza et Polanski auront-ils voulu nous emmener ? Les spectateurs ne le sauront jamais. Ça se termine d'un coup, abrupt, sans qu'on sache bien ni comment ni pourquoi, au point qu'on se demande si ce n'est pas simplement le stylo du scénariste qui est tombé en panne d'encre quelques pages avant la conclusion, l'inhabituelle brièveté du film pouvant paraître accréditer cette thèse.

Crash-test :

Le fjord de la plata

2011-12-10T19:29:00.006+01:00

On sait depuis cette semaine à quels sommets de xénophobie nauséabonde on peut atteindre en imitant l'accent à couper au couteau des Norvégiennes. Il n'est décidément pas bienvenu de moquer les Norvégiennes et leur accent. Les Argentins, par contre, on peut.

Répétition d'orchestre

2011-12-09T00:36:00.007+01:00

Musiques créoles, collectif.

Après un premier ouvrage collectif consacré à la gastronomie, Marmites créoles, paru en début d'année, le Cri du Margouillat (de la Réunion) récidive opportunément à l'approche des fêtes de fin d'année avec cet album de bandes dessinées qui rassemble quatorze histoires courtes signées des plus grands talents de la Réunion et de l'océan Indien.

C'est avec son habituelle modestie que l'auteur de ces lignes se croit contraint de mentionner sa participation à ce volume par ailleurs remarquablement maquetté. Les célèbres personnages de Coco et Bwana se retrouvent en effet dans une mince historiette comiquement titrée Disque d'or, signée Hobopok, lequel auteur a également servi comme scénariste pour une désopilante narration d'un concert des Beatles à la Réunion qui n'a jamais eu lieu, introduisant (si l'on ose écrire) les savoureux personnages de Chouchou et Chouchou, chochottes tropicales dessinées par la talentueuse Crainte.

Deux dessinateurs qui ne brillent pas par leur traitement de la perspective.

Aux dernières nouvelles, cet indispensable florilège exotique, au prix modique sans commune mesure avec le plaisir qu'il procure à ses lecteurs, n'est pas disponible en France hexagonale. Mais plutôt que de se lamenter en maudissant l'histoire et la géographie, on peut toujours tenter sa chance en contactant l'éditeur ici.

Et pour finir en beauté un dernier dessin signé Grégoire Loyau :

Un fauteuil pour deux

2011-12-08T14:12:00.009+01:00

Intouchables d'Olivier Nakache et Eric Toledano.

La tête et les jambes. Un richissime tétraplégique roulant carrosse embauche un repris de justice banlieusard en tant qu'aide de vie. Comme de juste, les deux vont s'entendre comme larrons en foire pour faire fi des préjugés.

Encore une comédie franchouillarde qui casse la baraque en recyclant de vieilles recettes éculées, en capitalisant sur de numéros de cabotinage éhonté, en flattant les plus bas instincts du spectateur ? Eh bien non, pour une fois, voici un film qui rencontre du succès et qui le mérite, à la stupéfaction générale, à commencer par celle de la rédaction de cette cyber gazette, qui a pourtant vu suffisamment de daubes pour en reconnaître immanquablement l'indigeste fumet . Et effectivement, le film des deux réalisateurs, Nakache et Toledano, manque tellement peu d'atouts, qu'on peut sans risquer de se tromper le ranger au rayon pas si garni du cinéma populaire de qualité, ce label français que le monde entier nous envie.

La principale prouesse aura été de réussir à faire rire de sujets éminemment casse-gueule, le handicap, le racisme, la banlieue, en dépassant (ou presque) tous les clichés, en se moquant de la pitié et du misérabilisme, sur un ton corrosif et désinhibé à rebrousse-poil de tous les lénifiants discours politiquement corrects qui emplissent les autres salles de cinéma. On rit d'ailleurs assez rarement à gorge déployée, tant les effets comiques, même s'ils sont parfois un peu attendus, restent assez retenus et ne sont jamais surjoués, s'effaçant surtout derrière la justesse et l'intelligence du propos.

Evidemment, le ressort de l'opposition entre deux caractères que tout oppose n'est pas d'une franche nouveauté, évidemment l'aperçu fugitif donné de la banlieue aligne quelques poncifs, mais tout s'oublie par la grâce notamment d'une interprétation impeccable, François Cluzet cloué sur un fauteuil qui cligne des yeux comme personne, et Omar Sy aussi ébahi que son personnage de se retrouver là où il est.

Il faut d'ailleurs souligner comment ce film met en avant un héros noir. Quand déjà un film français avait-il mis à l'affiche un héros noir avec succès ? Lucien Jean-Baptiste s'y était cassé les dents, c'est aujourd'hui chose faite, sans qu'on sache s'il faut enfin se réjouir, ou se lamenter du temps qu'il aura fallu attendre, ce qui ne dit rien de très positif sur notre société multiraciale.

Enfin félicitons chaleureusement les réalisateurs d'avoir fait un film qui parle de banlieue sans nous infliger une seule note de rap. C'est peut-être le vrai secret du mystère de son incroyable succès.

Crash-test :

American graffiti

2011-11-26T19:26:00.006+01:00

On rigole bien à Sofia, capitale de la Bulgarie. Des plaisantins ont cette semaine repeint à leur (mauvais) goût le monument à l'Armée rouge, que les Bulgares, soient par respect pour leur tumultueuse histoire, soit par économie, n'ont pas encore pris la peine de déboulonner. En quelques coups de pinceaux, les héros réalistes socialistes se sont transformés en icônes de l'impérialisme étasunien, super héros ou mascottes de multinationales.

La blague n'eut qu'un temps, car les couleurs étant lavables, elles furent promptement lavées par les autorités, qui pas davantage en Bulgarie qu'ailleurs, n'aiment qu'on se paie leur fiole.

Sans forcément aller chercher très loin une signification profonde au message délivré, critique du consumérisme, totalitarisme du capitalisme, résistance à toute invasion étrangère, on peut tout de même admirer le toupet de ces humoristes bulgares. A quand les Rude de l'Arc de triomphe transformés en Schtroumpfs ? Bah, en attendant, on peut toujours aller faire griller des merguez sur la flamme du soldat inconnu.

La ligne confuse

2011-11-17T06:06:00.008+01:00

Les aventures de Tintin : Le secret de la Licorne de Steven Spielberg.

Contrefaçon hollywoodienne. Un jeune reporter à houpette achète une maquette de bateau, se fait enlever, rencontre un vieux marin alcoolique, supporte le récital d'une stridente cantatrice, défait ses ennemis, retrouve son portefeuille, perce un mystère, trouve un trésor, le tout à 200 à l'heure.

Difficile de reconnaître Tintin et les autres personnages issus des bandes dessinées au delà des oripeaux empruntés aux créations d'Hergé. Spielberg, qui a au passage l'immodestie de prêter ses traits au personnage de Sakharine/Rackham le Rouge, commet un prévisible contresens dans son interprétation, en transformant le héros universel des jeunes de 7 à 77 ans en tête d'affiche pour jeunes Californiens de 7 à 17 ans.

En confiant le dessin et l'animation de ce film à de puissants ordinateurs, Spielberg a évacué la dimension profondément romanesque, fantasmatique, presque onirique, du Tintin de papier. Il ne reste qu'un divertissement à la mode hollywoodienne, thriller frénétique où l'écran est perpétuellement bombardé d'informations qui se succèdent plus vite que l'œil ne peut les décoder, chaviré par des mouvements de caméra abracadabrantesques au point de rendre presque superflu tout montage, au service d'un récit embrouillé où les protagonistes n'obéissent à rien d'autre qu'au bon vouloir d'un scénariste sous ecstasy. La référence à Hergé devient presque anecdotique tant les personnages pourraient aussi bien revêtir l'apparence de super héros en justaucorps ou d'archéologues à chapeau, sans que le film diffère de façon notable.

Fracas pour les yeux, vacarme pour les oreilles, disjonctage pour les méninges, Spielberg invente la ligne confuse, à des années-lumière d'une ligne claire qui n'est pas seulement une épure graphique, mais aussi et surtout une exigence narrative où chaque évolution d'une histoire obéit à sa propre cohérence, qualité qui fait assez cruellement défaut au film.

Beaucoup (trop) de cas aura été fait de la technique de motion capture, qui transmet les mouvements de véritables acteurs à des modèles informatiques. Le résultat est tout sauf convaincant . Un peu comme le rotoscope à son époque, cette façon donne naissance à des objets défiant aussi bien les lois de l'apesanteur que celles de l'animation. N'espérez pas reconnaître les acteurs plus ou moins célèbres qui se seront prêtés à l'exercice, on aurait pu employer des singes savants pour un résultat équivalent et un moindre coût.

Crash-test :

Orbite familiale

2011-11-08T11:01:00.004+01:00

Le skylab de Julie Delpy.

Film de vacances. A la fin des années 70, la grande famille se rassemble autour de l'anniversaire de la grand-mère pour une moment d'été dans la maison de Saint-Malo. On bouffe, on picole, on s'engueule, on engueule les mômes, et quand on a fini, on repicole et on s'embrasse. On a tous dans le cœur des vacances à Saint-Malo, et des parents en maillot qui dansent sur Luis Mariano.

Notre rédaction avait beaucoup apprécié Two Days in Paris, autre chronique familiale autobiographique de la même talentueuse réalisatrice, et attendait beaucoup de ce nouveau volet centré sur ses souvenirs d'enfance. Si les mêmes qualité d'écriture et de mise en scène sont bien au rendez-vous, il faut regretter malheureusement que tout ce talent soit dépensé au service d'un sujet plutôt creux. Malgré la grande justesse de la reconstitution historique, malgré des dialogues enlevés, on passe un peu tout le film à attendre qu'il démarre, qu'il se passe enfin quelque chose. La faute à la nécessaire multiplication des personnages de ce tableau de groupe. Aucune figure ne s'en détache particulièrement, aucune intrigue ne retient plus particulièrement l'attention, et on finit la projection presque gêné d'avoir été invité à déranger l'intimité d'une famille aussi banale.

Soulignons tout de même les francs sourires que nous aura arrachés Vincent Lacoste (Les beaux gosses) en adolescent aux prises avec ses afflux d'hormones et au peigne coincé dans le ceinturon.

Une explication sur le titre : le skylab était ce satellite en perdition qui avait vaguement menacé de s'écrabouiller sur la Bretagne en juillet 1979. Capillotracté.

Crash-test :

Mon Dieu mon Dieu mon Dieu !...

2011-11-04T19:34:00.016+01:00

Les locaux de Charlie Hebdo ont brûlé mercredi, à l'heure même où les premiers exemplaires de son numéro spécial finement sous-titré Charia Hebdo était distribués dans les kiosques. Ceci arrivant après l'épisode de 2006 et des caricatures danoises. Toujours les mêmes. Quelle injustice. Comme personne ne songe malheureusement à incendier les locaux de notre cyber rédaction, Hobopok Dimanche se doit d'employer tous ses efforts à essayer de collectionner à la fois une excommunication et une fatwa, et plus si affinités.

Il est temps en effet d'enfoncer le clou et d'appuyer là où ça fait mal. Car si l'attentat contre Charlie a fait l'unanimité en France, obtenant dans un beau concert d'union nationale condamnation des incendiaires et soutien au journal, certains arguments développés, y compris par des collaborateurs de Charlie, peuvent laisser pantois.

En substance, les membres du gouvernement, les politiques de tout bord, les "représentants de la société civile", défendent l'humour ciblé, qui s'en prend aux intégristes de la religion, et non pas à tous ses adeptes. Sous-entendu : heureusement que cette frontière (au demeurant parfois bien ténue, ou bien floue) n'a pas été franchie qui sépare les fidèles ordinaires et leurs intégristes violents, heureusement que l'humour de Charlie ne s'en est pas pris aux religions en tant que telles et aux fidèles en tant que tels.

Voilà, chers amis de l'humour bête et méchant, les prémices de l'autocensure qui pointent déjà. On n'en est pas encore à s'excuser de rire du sacré (ou supposé tel), mais on fait quand même bien remarquer qu'on ne visait que les extrémistes du sacré (ou supposé tel). Comme si l'on avait intégré qu'il est décidément plus convenable de s'abstenir à l'avenir de rire des religions parce qu'elles en sont, et des croyants parce qu'ils le sont. Remarquable reculade dialectique, défaite sournoise de la pensée libre et triomphe inespéré des fanatiques par la condamnation même qu'ils suscitent !

Si les musulmans ont pu se sentir visés par les dessins et les bonnes blagues de Charlie Hebdo, il faut remarquer comment les chrétiens se sont engouffrés dans la brèche pour souligner, à la lumière de quelques récents faits-divers péri-artistiques, qu'il faudrait peut-être aussi y aller mollo avec le petit Jésus. Les jaloux. Sans doute les juifs, il est vrai d'ordinaire un peu moins vocaux et moins physiques sur les questions purement religieuses, n'attendent-ils que l'occasion pour monter dans le même le train.

Tous ces sots n'ont peut-être pas remarqué que la loi, si bien faite, leur garantissait la liberté absolue de ne pas rire, de ne pas lire les journaux ni fréquenter les musées ni voir les pièces de théâtre qui les offusquent, et de passer leur triste chemin pour s'en retourner qui se noyer dans son bénitier, qui s'empaler sur son minaret, qui se fracasser la tête sur son mur des Lamentations, pour leur plus grand bien. Et c'est ainsi qu'Allah est grand.

Supplément gratuit

2011-11-04T00:55:00.004+01:00

Et par dessus le marché, Facebook a bloqué l'accès des administrateurs à la page de Charlie Hebdo sur le "réseau social", au centre d'une furieuse bataille de commentaires entre pro- et anti-, au prétexte légèrement fallacieux, notamment, que "la une publiée par Charlie contrevient aux règles d'utilisation du site qui interdisent les publications avec des contenus graphiques, sexuellement explicites ou avec des corps trop dénudés". Ça leur apprendra à aller se pavaner sur ce fichier mondial de la Stasi.

Suicide mode d'emploi

2011-10-31T00:37:00.013+01:00

21 recettes pratiques de mort violente à l'usage des personnes découragées ou dégoûtées de la vie pour des raisons qui, en somme, ne nous regardent pas, de Jean Bruller dit Vercors.

La vie est trop courte pour ne pas rire de la mort. C'est ce que s'est dit en 1926 le jeune Jean Bruller, pas encore Vercors, qui se croyait dessinateur en attendant de devenir écrivain, éconduit par une amoureuse, et qui conséquemment envisageait par dépit de mettre un terme à ses souffrances par tout moyen. Tâchant par le rire d'obtenir son indulgence, la séduction ayant échoué à gagner son amour, il avait en fait entrepris une correspondance humoristique avec la demoiselle. En vain. La demoiselle s'est envolée, et ce livre nous est resté, qui franchit les âges en se riant des modes.

"Un jeune homme vint me trouver un jour, les larmes ruisselant le long de son visage. On venait de lui faire un gros chagrin, et il demandait conseil à mon expérience. Je lui donnai le seul que ma conscience pût me dicter, et l'engageai à se tuer". En feignant de parler d'un autre pour parler de lui-même, Bruller ne parle-t-il pas de chacun de nous, qui contemple avec une fascination faite de dégoût et de désir mêlés la dernière liberté qui nous est assurée, celle de mourir comme on l'entend ?

Plein de commisération pour le candidat au suicide débutant et hésitant, il dresse en tout cas un très plaisant inventaire catégorique et illustré des différents moyens d'abréger son existence, pesant pour chacun les avantages et les éventuels inconvénients : par saut de cervelle, par asphyxie gazeuse, par section artérielle ou veineuse, par empalement, etc...

On ne sait dans ce petit et délicieux ouvrage s'il faut admirer davantage le dessin ou la prose. Il faut souligner comment en ce dessinateur sommeillait un écrivain qui s'ignorait, pour mieux regretter qu'ensuite, l'écrivain réveillé ait fait oublier le talentueux dessinateur.

C'est en 1977 que la maison Tchou fit à cette œuvre l'honneur de cette déférente réédition, additionnée de nouveaux commentaires de l'auteur, ayant trait notamment aux progrès remarquables dans les techniques d'éradication humaine. On trouve encore ce titre réédité par Portaparole.

Tintin à Mafate

2011-10-26T13:04:00.000+02:00

Clitoris de poule ! Morue des montagnes !

Merde in France

2011-10-11T20:36:00.012+02:00

Voilà déjà quelques semaines que Toyota, fameuse marque d'automobiles (japonaises ?), promeut sur les écrans français sa petite voiture Yaris avec un argument aussi paradoxal qu'imparable : elle est made in France.

J'imagine que cet argument massue doit donner des idées aux marques concurrentes, Renault, Peugeot, Citroën, fabricants d'automobiles (françaises ?), qui pourraient s'en inspirer pour eux aussi trouver un argument supplémentaire apte à convaincre leurs potentiels clients slovènes, slovaques, espagnols, turcs, polonais, roumains, marocains...

La chanteuse aux pieds nus

2011-10-10T01:06:00.005+02:00

Il est peut-être prématuré de penser à une nouvelle Sandie Shaw, mais Joss Stone est à vingt-quatre ans le nouveau miracle de la soul britannique. Une gamine économe reconnaissable à son aversion pour les chaussures, ainsi quà son mépris pour tout gaspillage de tissu dans la confection de ses jupettes. Encore une fois, c'est le toujours excellent One Shot Not de Manu Nouvelle Star Katché sur Arte (la chaîne de la musique de jeunes) qui l'a portée à notre attention. Une voix légèrement voilée d'un peu du brouillard qui recouvre habituellement Douvres, dont elle est native, et voilà la preuve qu'il n'est nul besoin d'être tatouée des pieds à la tête, ni alcoolique, ni toxicomane, ni morte, pour chanter le blues.

En plus, elle n'est jamais en retard à ses concerts :

Fahrenheit 451

2011-10-08T02:25:00.013+02:00

En ce moment, le libraire internet Amazon.fr en fait des tonnes pour le lancement commercial en France de sa liseuse électronique Kindle, avec notamment un message sur sa page d'accueil vantant les mérites du teuteu, qui commence par ces quelques mots, comme un magnifique acte manqué avouant malencontreusement ce qu'il se refuse à dire :

Chers clients,
ce qu'il y a de formidable avec le livre papier, c'est qu'il disparaît...

Oh bien sûr, on peut lire la suite, mais il n'est pas interdit de penser que tout est dit, et avec davantage d'intention qu'il n'y paraît. L'important, ce sont ces premiers mots qui resteront gravés dans l'esprit des lecteurs (traduire par : consommateurs).

Rappelons que le livre électronique ne permet pas d'écraser les cafards, de caler les tables, de rehausser les sièges des bambins, de presser des fleurs des champs. Il ne résiste pas aux grands froids ni aux grandes chaleurs, pas plus aux grandes marées qu'aux coups de sirocco. Il se décharge. Son contenu peut être contrôlé, modifié, et même effacé à distance et à l'insu de l'acheteur par le commerçant qui l'a vendu. Il ne peut pas être dédicacé par l'auteur, ni surchargé de quelques mots d'amour pour un anniversaire. Il ne peut pas être transmis à notre descendance. On voit qu'il ne manque pas de qualités.

Gangsters à Johannesbourg

2011-09-29T00:13:00.008+02:00

La bande à Foster de Conrad Botes et Ryk Hattingh.

Dans un interlope Johannesbourg contemporain, deux amis marginaux se remémorent les hauts faits d'une bande de gangsters de 1914. De fil en aiguille, ils en viennent à remonter sur les traces de cette épopée, encore visibles dans différents lieux de la ville, jusqu'à la grotte ou se noua l'épilogue tragique de la cavale des bandits.

L'Association a fait paraître cet été la traduction de cet ouvrage, à ma connaissance la première bande dessinée sud-africaine long format à avoir jamais paru en Afrique du Sud. Cette histoire complète de soixante et une pages avait été publiée une première fois en 2000 par Bitterkomix, alors à Stellenbosch, dans une version originale qui présentait la particularité d'alterner l'anglais et l'afrikaans, ce qui privait les non-afrikaanophones de la moitié de son intérêt. Cette hémiplégie est gommée grâce à la VF, un bien pour un mal, vu que du coup on perd cette dualité culturelle propre aux auteurs et à leur pays.

Il s'agissait d'un projet extrêmement ambitieux de deux artistes qui visiblement rêvaient de bande dessinée européenne, et se fichaient pas mal du prévisible fiasco commercial, ainsi que de l'indifférence critique qui allaient les récompenser. A vrai dire, malgré ça, ou à cause de ça, le récit ne fonctionne pas vraiment, l'alternance un peu mécanique des deux époques pouvant paraître à la longue comme un pur procédé. La partie contemporaine, en fait un commentaire un peu décalé sur le sujet principal, n'y apporte pas beaucoup de lumière, et tend plutôt à casser le rythme et faire retomber l'intensité d'un récit criminel au demeurant passionnant. Tout juste remarquera-t-on qu'à un siècle de distance, le pays semble marqué par la même violence.

On y voit en tout cas la maestria graphique de Conrad Botes, dans un noir et blanc très âpre, qui montre, si besoin était, qu'il aurait toutes les qualités pour devenir un auteur de bande dessinée majeur, si seulement cette activité pouvait nourrir son homme en Afrique du Sud. Quant au scénariste, l'écrivain Ryk Hattingh, aux dernières nouvelles, il était cordonnier à Auckland en Nouvelle-Zélande.

La fille d'Astérix

2011-09-26T13:49:00.015+02:00

Hachette (éditeur), Albert Uderzo (créateur) et Anne Goscinny (euh...) ont officialisé aujourd'hui la passation de pouvoir aux commandes de la franchise Astérix. Après avoir longtemps claironné qu'Astérix ne lui survivrait pas plus que Tintin n'a survécu à Hergé, Uderzo a mangé son chapeau, libérant quelques "ouf" de soulagement chez ceux à qui la perspective de voir saborder une si belle affaire donnait mal au cœur. Les aventures d'Astérix se seraient en effet écoulées à plus de 350 millions d'exemplaires de par le monde en une cinquantaine d'années.
La poule aux œufs d'or échoit donc à Jean-Yves Ferri au scénario, et Frédéric Mébarki au dessin, un relatif inconnu qui depuis quelques années était chargé de singer anonymement le style d'Uderzo pour toutes les déclinaisons commerciales de ses personnages. La nouvelle paire aura fort à faire pour redonner vie à une bande dessinée artistiquement moribonde qui ne vivait que de sa gloire passée, et surtout tenir tête aux services marketing qui dirigent véritablement la franchise dans l'intérêt bien compris des ayants droit.

Il est assez piquant de remarquer, sur cette interview d'une insigne vacuité d'Anne Goscinny pour le journal de 13h de France 2 qui rapportait la nouvelle, le bandeau qui accompagne l'impétrante. Bandeau où est généralement indiquée sous son nom la fonction ou la qualité de la personne qui nous parle. Que fait donc, selon France 2, Anne Goscinny dans la vie ? Réponse : fille de René Goscinny. CQFD.

Les fils de la louve

2011-09-25T00:12:00.006+02:00

Les fauves de Patrick Rotman.

France 2 avait mis sous le boisseau depuis des années ce passionnant documentaire sur l'inimitié entre l'actuel chef de l'Etat et l'ancien premier ministre Dominique de Villepin, craignant on ne sait quelles foudres élyséennes, ce qui n'a sans doute rien à voir avec le fait que les dirigeants de l'audiovisuel public sont désormais désignés en conseil des ministres par le bon vouloir du même actuel chef de l'Etat. La chaîne a fini par se décider à le diffuser, hier lundi soir, non sans avoir obtenu des producteurs le changement de titre de ce qui s'appelait initialement et délicatement Haine pure.

Thé ou café ? Miel ou fiel ? Arsenic ou cyanure ?

Rotman, que notre rédaction avait trouvé peu inspiré en auteur de fiction pour le film La conquête, donne toute la mesure de sa subtilité et de sa clairvoyance dans le documentaire politique, en trouvant deux personnages plus riches et plus beaux que la plus fertile imagination ne saurait jamais en inventer. En faisant l'historique minutieux de cette rivalité devenue légendaire entre deux rejetons de la Chiraquie, Rotman met patiemment au jour cette évidence pas toujours biblique qu'on ne déteste personne plus cordialement que quelqu'un qui nous ressemble. Et il apparaît effectivement que malgré des personnalités et des parcours très différents, les deux protagonistes semblent obéir aux mêmes ressorts, animés par la même ambition, et tenant également la politique pour le moyen d'assouvir des pulsions dépassant parfois l'entendement.

Un point commun entre ce documentaire et la fiction, entre Les fauves et La conquête, c'est cette leçon somme toute étonnante sur la nature du combat politique. En entendant cette expression galvaudée entre toutes, combat politique, on imagine le débat d'idées, l'affrontement entre gauche et droite, la volonté de triompher de l'opposition, etc... bref, l'empoignade entre adversaires de camps opposés. Rotman a saisi que la vérité est ailleurs : le véritable combat politique, celui qui occupe vraiment les hommes et femmes politiques, a lieu exclusivement au sein de leur propre camp, de leur propre parti. Car si l'on croise à intervalles réguliers ses opposants lors des échéances électorales, s'il faut bien ferrailler sporadiquement contre eux dans quelque débat télévisé, s'il faut bien se coltiner quelques salves à l'Assemblée, ceux que l'on côtoie quotidiennement, ceux qui menacent le plus, ceux qu'il faut éliminer avant tout car c'est avec eux que la survie se joue, ce sont bien ses propres amis politiques. Et ce n'est pas là le genre de combat qui se règle dans les urnes, d'où parfois une violence qui engendre la déraison. Rotman a une fois encore l'intelligence, comme dans La conquête où la gauche était totalement absente, de ne donner la parole qu'aux ténors de l'UMP qui ont eu à connaître de l'affaire de plus ou moins près, et qui l'évoquent avec des mines alternativement hilares ou navrées.

Jean-François Probst a de bonnes lectures.

C'est l'agrégé de lettres classiques Xavier Darcos qui, faisant involontairement de Jacques Chirac une mère louve nourricière, a le mot de la fin de cette histoire pourtant inachevée : "Quand on arrive au combat du sommet, il faut toujours que l'un des deux disparaisse, depuis Remus et Romulus".

Rediffusion sur France 2 dans la nuit de jeudi à vendredi à 00h35.

Mais où sont passées les gazelles ?

2011-09-22T10:53:00.006+02:00

Vu les horaires décalés des matches de la coupe du monde de rugby qui nous parviennent de Nouvelle-Zélande, je n'avais guère suivi les événements avant de jeter un œil sur Afrique du Sud - Namibie. Un match assez exotique opposant deux nations africaines qui présentent des sélections quasi toutes blanches, les joueurs de rugby namibiens étant un peu les petits frères afrikaners de leur voisins du sud de l'Orange (le fleuve). La sélection namibienne jouait d'ailleurs la Currie Cup, c'est à dire la coupe des provinces, à l'époque du mandat sud-africain.

On a surtout pu admirer le nouveau maillot arboré pour cette compétition par les Sudafs, qui n'ont plus de Springboks que le nom, vu que l'emblème traditionnel été remplacé totalement par le protea sur le cœur des joueurs. Le springbok a été exilé, minuscule, sur le bord de la manche gauche.

Les jusqu'au-boutistes revanchards de l'ANC post-Mandela n'ont donc pas encore tout à fait eu la peau de cette malheureuse gazelle, mais ne désespèrent visiblement pas d'en faire un jour du biltong.

Bons baisers de la ville sainte

2011-09-17T01:26:00.018+02:00

Chroniques de Jérusalem de Guy Delisle.

Le Monde.fr publie en feuilleton et en avant-première (et en couleurs) le nouveau carnet de voyage autobiographique du Québécois Guy Delisle, par ailleurs dessinateur sympathisant du Cri du Margouillat à la Réunion.

Ah, j'en vois qui tiquent en entendant "carnet de voyage" et "autobiographique", réunis de surcroît dans une même phrase servant à présenter une bande dessinée. Ce sont les fats qui ne se sont pas régalés à la lecture de Shenzhen et Pyongyang, qui relataient les brèves mais intenses aventures de Guy Delisle en producteur de dessin animé dans les usines à rêves cauchemardesques des paradis socialistes extrêmes-orientaux, puis de Chroniques birmanes, qui racontaient une année passée en famille à Rangoun.

Car l'anti-touriste Delisle a su perfectionner les deux genres en les unifiant. Evitant de s'émerveiller à chaque pas, il sait décrire avec précision et discernement, sans jamais sacrifier au pittoresque. Son point de vue de visiteur et ses petites péripéties personnelles ne sont pas donnés par suffisance ou complaisance, mais sélectionnés avec soin pour la lumière qu'ils peuvent apporter sur le sujet abordé. A vrai dire, partout où il passe, Delisle, observateur désorienté, constate surtout l'incapacité du voyageur à percer les secrets de la terre qui l'accueille. C'est la vraie leçon du voyage.

RIP DJ

2011-09-13T19:31:00.009+02:00

A 34 ans, il était l'une des étoiles de la musique populaire urbaine française, DJ Mehdi est mort dans la nuit de lundi à mardi à Paris.

J'avais eu la chance de pouvoir le côtoyer d'assez près pendant trois ans à Ménilmontant, où il m'avait permis de suivre pas à pas l'intégralité de son processus créatif dans des conditions d'écoute optimale, et de l'accompagner ainsi dans chacune de ses évolutions musicales, depuis le rap jusqu'à l'électro. Il avait contribué notablement à développer mon amour du jazz, de la variété française, ou encore de l'opéra italien.

C'est bien trop tôt qu'il est ainsi arraché à notre affection. D'autant qu'il semble avoir péri, lors de l'effondrement d'une sorte de mezzanine à son domicile, dans des circonstances un peu ridicules.

11 septembre

2011-09-11T00:01:00.004+02:00

Voilà dix ans que la portée symbolique sexuelle des attentats me turlupine. Comment ne pas imaginer que, consciemment ou non, les auteurs des attentats ont rêvé d'émasculer le grand Satan ? Comment ne pas imaginer que, consciemment ou non, la douleur et la rage des Etats-Unis a été à la mesure d'un sentiment de castration ?

Jésus dernier cri

2011-09-10T14:24:00.008+02:00

Evidemment, le Royaume-Uni, qui a pourtant inventé l'habeas corpus, ne peut pas se vanter, comme d'autres, d'être la patrie des droits de l'homme. Peut-être est-ce pour cette raison que l'équivalent britannique du Bureau de vérification de la publicité vient d'interdire cette innocente réclame pour des téléphones portables, d'une finesse et d'une originalité toutes relatives, qui représentait un type barbu jovialement souriant, tellement enthousiasmé par la proposition commerciale présentée que son cœur bat à tout rompre, tellement que ça tient du miracle. Après avoir été reproduite largement dans la presse du royaume autour de la période de Pâques, elle vient d'être officiellement interdite, et ne pourra donc plus apparaître (sauf ici, vous l'aurez bien noté).

Il s'est trouvé en effet quatre-vingt dix-huit bon sujets de sa majesté, dont la religion n'est pas connue, mais qu'on peut supposer chrétiens, pour faire reconnaître par l'autorité de régulation que cette publicité "donne l'impression de moquer et de rabaisser l'une des croyances chrétiennes fondamentales". Ce qui, apparemment, est mal, et ipso facto condamnable. Et pour couronner le tout, au lieu d'envoyer péter dignement tout ce joli petit monde, plaignants et juges, l'imbécile annonceur, craignant pour son porte-monnaie, s'est confondu en plates excuses.

Je ne sais pas si les caricatures de Mahomet avaient trouvé à être publiées outre-manche, mais on sent nos voisins un peu crispés. Peut-être en raison de leur engagement militaire en Afghanistan et en Irak ?

On regrette en tout cas qu'il ne se soit pas trouvé quatre-vingt dix-huit athées pour prendre les bigots de vitesse et demander en premier l'interdiction de la publicité au motif que cette propagande bassement religieuse heurte leurs convictions profondes. Chacun sait que les miracles, ça n'existe pas.

Les deux tours

2011-09-09T08:47:00.011+02:00

World Trade Center. Ground Zero. Dix ans. Mauvais anniversaire. Tout comme la Deuxième Guerre mondiale aura marqué le monde de son empreinte pour soixante ans, les attentats du 11 septembre 2001 à New York et Washington ont commencé à remodeler le monde pour une longue période à venir. Un monde chaque jour plus orwellien, où la guerre (contre le terrorisme) est permanente et sans fin, où les alliances changent sans préavis ni explication (Ben Laden, Kadhafi), justifiant la réécriture permanente de l'histoire, et l'ubiquité d'une police de la pensée qui voudrait s'insinuer au plus profond des âmes.

L'une des dernières victimes en date d'une assez curieuse et insidieuse censure est Steve Reich, compositeur américain, sous-pape de la musique dite répétitive (comme si le rap l'était moins...) ou encore minimaliste. A 75 ans, il s'apprêtait a faire paraître un nouvel album intitulé WTC 9/11, mêlant quatuor à cordes et remixage de documents d'archives sonores liés aux attentats. Il s'agit de la première édition phonographique d'une œuvre créée et déjà interprétée en public en 2010. Jusque là, tout allait bien.

L'album de Steve Reich.

Les choses se sont gâtées quand l'éditeur a commencé à faire circuler la pochette prévue pour le disque : une réinterprétation retravaillée d'une photo d'actualité montrant le deuxième avion sur le point d'emboutir la deuxième tour, une façon assez pertinente d'illustrer le contenu musical qui donne une vision artistique d'événements dramatiques, le visuel détournant l'image comme l'œuvre musicale détourne le son.

La photo originale de Masatomo Kuriya.

L'image retouchée a provoqué une controverse à travers la presse et le web américains, qui y ont vu une insupportable esthétisation du drame. Au point que l'éditeur a préféré renoncer, retardant la sortie du disque, tout en annonçant le remplacement de l'image. La vox populi s'érige en censeur là où l'auteur de la photo lui-même, selon toute vraisemblance contacté et rémunéré pour accorder le droit de réutiliser son cliché, n'avait rien trouvé à redire. On en déduit que la même démarche artistique qui n'avait défrisé personne quand elle s'adressait à nos oreilles, devient intolérable quand elle atteint nos yeux. C'est que Steve Reich, sa maison de disques, son graphiste, ont attaqué ce qui est devenu une icône au sens religieux du terme, sacrée et intouchable.

Il faut se souvenir comment l'humanité entière, délaissant toute activité normale, s'était plantée comme un seul homme devant son téléviseur pour contempler en direct ce spectacle inouï (étymomologiquement : jamais entendu) des tours attaquées, rendant hommage au coup de génie maléfique des auteurs des attentats à qui la dimension graphique de leur œuvre n'avait bien évidemment pas plus échappé que l'écho qu'elle rencontrerait dans une caisse de résonance comme New York. Cette même image et d'autres plus insoutenables encore, ont tourné en boucle des jours et des jours sur les écrans du monde entier sans que personne alors ne songe à leur reprocher leur obscénité. On succombait au même pouvoir d'attraction que celui qu'exercent les accidents de la route, qui forcent les automobilistes circulant en sens inverse à ralentir en espérant entrapercevoir quelque détail sanguinolent au passage.

Peut-être est-ce précisément pour exorciser cette fascination morbide génératrice de culpabilité inavouable que les censeurs se mettent en action, dix ans après.

Pour mémoire (laquelle tend à s'estomper après dix ans), je vous rappelle ce dessin d'un mauvais goût lui aussi parfaitement condamnable, et qui avait fait la une du Margouillat, organe central de la rébellion réunionnaise, en octobre 2001.

Supplément gratuit

2011-09-09T08:40:00.001+02:00

City Life, une création de Steve Reich datant de 1995, où il mêlait déjà musique et documents sonores.

Un vagabondage deTabary

2011-09-02T00:22:00.002+02:00

Valentin le vagabond, les mauvais instincts de Tabary.

Jean Tabary, dont le récent décès a endeuillé la blogosphère, faisait partie de ces dessinateurs de bande dessinée au destin transfiguré par leur rencontre avec le génial René Goscinny. Pour Tabary, tout le monde se souvient que la gloire lui fut acquise grâce aux aventures du grand vizir Iznogoud, truffées des calembours de son homme de main Dilat Laraht qui semaient la désolation dans tout Bagdad. Un peu comme pour Astérix ou Lucky Luke, on avait d'ailleurs pu, sans s'en trouver plus mal, s'arrêter de lire Iznogoud après la mort de Goscinny.

Il est pourtant un livre acheté et lu un peu par hasard dans ma jeunesse, entièrement réalisé par Tabary, qui mérite toute notre attention : Les mauvais instincts, première aventure en album d'un personnage créé avec Goscinny. Valentin est un sans-logis naïf et généreux, incapable de soupçonner, à l'instar du calife Haroun El Poussah, la vilénie et la mesquinerie qui sont l'ordinaire du restant de l'humanité, et que son grand cœur va conduire à sauver un malheureux vieillard, déjouer un complot de famille, et éclaircir un fameux mystère.

Malgré son héros très positif, le ton du livre est nettement plus sombre que les manigances comiques d'Iznogoud, d'autant que le minable détective privé idiot et sans scrupule n'est pas loin de voler la vedette à Valentin (le genre à vouloir être calife à la place du calife). Le trait nerveux de Tabary, si vivement coloré dans ses décors de mille et une nuits, paraît presque exotique en s'attaquant à des sujets si proches de nous dans le temps et l'espace : l'action se déroule de nos jours, c'est à dire en 1973, en plein hiver, dans les eaux fangeuses de la plus médiocre bourgeoisie de la plus crapoteuse des provinces françaises. Cet astucieux récit très touffu, à multiples facettes, rebondissements, sous-intrigues, et personnages à foison, a une force interne et une dynamique drôle et méchante qui fait penser à une comédie française des années 70. On aurait aimé voir un Molinaro, un Séria, ou un Tchernia, s'emparer de cette histoire et transformer ce papier en pellicule. Mais on peut surtout toujours lire le livre en rendant grâce à Tabary.

Le dernier clip de police

2011-09-01T03:09:00.002+02:00

Grâce à l'excellente Cuisine du graphiste de Julien Josset, j'ai mis la main sur cette vidéo qui s'efforce de faire la promotion du livre de Simon Garfield, Just My Type, déjà mentionné ici. C'est tellement simple, on se frappe le front en se reprochant de n'y avoir pas pensé soi-même avant.

De la rumba dans l'air

2011-08-31T00:26:00.003+02:00

Chico & Rita de Javier Mariscal, Fernando Trueba, et Tono Errando.

Te amo, yo tampoco. De la Havane à New-York, de l'après guerre à nos jours, Chico le pianiste ténébreux, et Rita, la chanteuse indomptable, s'aiment, se déchirent, se séparent et se retrouvent enfin. Et ça swingue.

Avec ses personnages romantiques et son histoire d'amour contrarié, ce film nous transporte surtout dans un monde où tout s'exprime par la musique. Cette musique noire afro-caribéenne, qui se décline et voyage sous forme de jazz ou de variété, accompagne une réflexion émouvante et amère sur le destin, l'exil, le racisme. Pour finir l'amour triomphe. Et une fois n'est pas coutume, ça marche de façon poignante.

Mariscal, illustrateur et designer catalan, célèbre pour la mascotte Cobi des JO de 1992 à Barcelone, créé un univers graphique nostalgique, qui prend souvent les allures d'un assez énorme... euh, disons clin d'œil... à Loustal. Il s'affranchit tout de même de cette influence dans une très belle scène onirique lovée au cœur du film, montrant un New York fantasmé depuis la Havane.

Assez justement, la critique a été quasi unanime à encenser le film. Pourtant, j''ai cru m'étrangler en lisant l'avis d'Olivier Delcroix dans le Figaro, qui, si je puis me permettre, se fourre le doigt dans l'œil jusqu'au mojito, en croyant devoir reprocher au film une animation "maladroite". Evidemment, ça ne bouge pas comme du Pixar ! Et on peut penser, au contraire, que les réalisateurs ont fait preuve d'une certaine intelligence esthétique en ne masquant pas l'intervention de l'ordinateur dans le traitement de leurs images et de leurs mouvements. Ils laissent deviner ici les coups de pinceau électroniques dans les décors, ou là des imperfections dans l'alignement de plusieurs profondeurs de champ, obtenant ainsi des irrégularités dont on ne sait si elles étaient recherchées ou non, mais qui valident l'informatique comme une dimension supplémentaire de poésie visuelle.

Crash-test :

Siné Mensuel

2011-08-29T19:05:00.006+02:00

On se souvient encore tristement de la disparition de Siné Hebdo, qui faisait suite au conflit puis à la concurrence féroces entre son créateur Siné et l'ancien employeur de ce dernier, Charlie Hebdo, période Philippe Val.

Mais Siné, lui, est toujours insolemment vivant, et mord même encore de toutes ses dents, du haut de ses quatre-vingt-deux ans. Après l'échec de la formule hebdomadaire, qui ne parvint jamais à l'équilibre financier, il retente l'aventure avec un mensuel dont le premier numéro est attendu pour le 7 septembre, au prix de 4,80 €.

Rondo veneziano

2011-06-25T00:51:00.006+02:00

Le voyage imaginaire d'Hugo Pratt à la Pinacothèque de Paris jusqu'au 21 août.

Cette exposition a été montée au pied levé par la récente Pinacothèque (musée privé) pour remplacer une rétrospective de potiches précolombiennes malheureusement annulée en même temps que la quasi totalité des manifestations liées à l'Année du Mexique en France pour cause de fâcherie diplomatique (une histoire de piñata rendue cassée, je crois...). Du coup les dessins du cosmopolite vénitien Hugo Pratt ont droit à de bien belles vitrines joliment sous-éclairées pour de la terre-cuite polychrome.

L'expo est vaguement organisée autour de thèmes, les voyages, les femmes, etc... et rassemble davantage d'aquarelles que de planches de BD proprement dites. Avec tout de même comme clou du spectacle la totalité des cent soixante-quatre planches originales de la mythique Ballade de la mer salée, de 1967, la première aventure de Corto Maltese, le fameux héros qui se confond un peu avec son auteur.

Alors évidemment, ça ne donne malgré tout qu'un aperçu nécessairement parcellaire de l'œuvre de Pratt, et on aurait pu notamment vouloir voir davantage d'œuvres précoces, pour mieux apprécier l'évolution du dessin. Des fines gueules qui m'accompagnaient ont eu le toupet de faire la fine bouche, mais on n'a tout de même pas tous les jours l'occasion d'aller se coller le nez sur des originaux d'un des maîtres de l'art.

On aurait aimé féliciter pour cette belle initiative la Pinacothèque et son directeur Marc Restellini, si celui-ci n'avait pris sa plus belle plume pour, en préambule à son exposition, s'excuser auprès des amateurs d'art d'avoir osé accrocher de la bande dessinée sur ses cimaises, arguant, et d'une, que c'était vraiment parce que Pratt était un très très grand artiste (contrairement à d'autres qu'il a eu la délicatesse de ne pas nommer ?), et de deux, que ça ne reproduirait plus. C'est vrai, quoi, enfin, de la BD quand même ! Ah la la la la la.

Train d'enfer

2011-06-24T06:23:00.006+02:00

On n'arrête pas le progrès. En attendant de nouveaux matériels roulants pour la ligne B du RER, celle qui a le bon goût de passer sous les fenêtres de notre rédaction, le Syndicat des transports d'Ile-de-France (STIF) a entrepris depuis quelques mois de rénover de fond en comble les anciennes rames, inchangées depuis les débuts du réseau régional, et quelque peu fatiguées. Des couleurs pimpantes, de beaux tissus, une signalétique améliorée, la climatisation ! Que demande le peuple ?

Mais la principale surprise est plus belle encore : que croyez -vous que le STIF ait trouvé comme réponse pour faire face à l'augmentation constante du trafic voyageurs sur cette ligne ? Une fréquence accrue aux heures de pointe, une amplitude d'horaires quotidiens élargie, notamment les week-ends ? Et pourquoi pas des investissements et des embauches, pendant que vous y êtes ? Pas du tout : le STIF a tout simplement supprimé les strapontins : moins de places assises, davantage de voyageurs entassés aux heures de pointe ! Il fallait y penser.

En poursuivant dans cette logique, votre cyber gazette favorite est en mesure de dévoiler en exclusivité la photo volée du futur matériel de nouvelle génération à l'étude. Bon voyage.

L'Afrique à Pappa

2011-06-22T09:21:00.007+02:00

Pappa in Afrika d'Anton Kannemeyer (aka Joe Dog).

Traité graphique sur l'Afrique du Sud post-apartheid, et ses rapports au reste du continent africain. Il m'a fallu un petit peu de temps pour finalement mettre la main, non sans peine et grâce à internet, sur ce bel ouvrage paru en 2010 au Cap, et que notre bon ami Appollo a déjà mentionné ici.

Ce livre qui reprend divers travaux graphiques, un peu de bandes dessinées, quelques pages de carnet de croquis, des illustrations et des toiles, offre un curieux écho à celui d'Anselme, sur le thème des malheurs de l'Afrique. Joe Dog décale sa critique en interrogeant l'identité africaine en termes de conflit racial. Il souligne le paradoxe d'être africain et blanc, et le besoin permanent des Sud-Africains blancs à devoir justifier de leur africanitude, ce qui ne va pas toujours de soi étant donné le lourd passif de l'apartheid, épisode modérément glorieux de la geste afrikaner.

Joe Dog use et abuse jusqu'à la corde des archétypes des représentations fantasmatiques de l'Afrique, notamment celles héritées du colonialisme glorifié par Hergé. Provocateur cérébral, il cherche en permanence à susciter le malaise, au risque de récolter l'incompréhension. Son livre a reçu un accueil mitigé en Afrique du Sud, la violence de certaines de ses images instillant le doute quant à la pureté de ses intentions chez quelques ayatollahs intellectuels qui s'érigent volontiers en gardiens de la bien-pensance sud-africaine.

Il faut dire que Joe Dog fournit lui-même les verges (c'est souvent le cas de le dire...) pour se faire battre. Il n'est qu'à voir sa réinterprétation d'un fameux dessin de Zapiro, lui-même objet d'une énorme polémique en Afrique du Sud. Ça n'a pas fait rire tout le monde. Dommage.

Supplément gratuit

2011-06-22T00:01:00.002+02:00

Toujours dans le domaine de la sudafrerie de bon ton, deux images piquées sur le bien beau site de Brandt Botes, petit frère de Conrad Botes et sympathisant de Bitterkomix. Un sudaf qui connaît Saint-Etienne (et sa biennale internationale de design) n'est ipso facto pas dénué de qualités. Mais j'aime surtout le mauvais esprit de sa carte d'Europe du futur qui renvoie au découpage de l'Afrique par les puissances coloniales de la conférence de Berlin !

Les formidables aventures de la Poste

2011-06-04T14:26:00.009+02:00

Ah, bien sûr, tout le monde ne peut pas avoir le César® du meilleur premier film. C'est pas une raison pour pas recycler ses personnages dans des animations à but lucratif. Comme Lewis Trondheim pour la Poste.

Y en a d'autres, apparemment, qui pasent à la télé en ce moment, mais sans les phylactères. On sait pas pourquoi.

L'insurgé

2011-06-02T04:07:00.007+02:00

Jossot, la caricature en liberté, à la bibliothèque Forney à Paris jusqu'au 2 juillet.

Plus que quelques jours pour profiter de cette splendide exposition qui nous a été prescrite sur ordonnance par l'excellent Plan B(D) du bon docteur Totoche.

Gustave-Henri Jossot (1866-1951) était un peu oublié, injustement, au point que je n'en avais à vrai dire jamais entendu parler. Son dessin est pourtant étrangement familier, peut-être parce que l'artiste a vu ses travaux publicitaires reproduits à l'échelle industrielle, encore aujourd'hui sur des millions de cartes postales, tandis que son œuvre satirique restait plus confidentielle.

Pilier de L'Assiette au Beurre, Jossot s'est très tôt singularisé par un trait épais et rond, héritier de la tradition de la caricature du XIXème siècle, influencé par les tendances artistiques du tournant du siècle, notamment les courbes de l'art nouveau.

On redécouvre avec cette expo une esthétique du dessin de presse, où le trait et la forme sont en fait utilitaires, au service d'une idée force, en général aussi violente que juste. C'est ce qui fait que les dessins de Jossot traversent sans peine le siècle qui nous sépare d'eux : ils font mouche, mettant dans le mille à chaque fois, en ridiculisant des traits de caractères dont la constance à travers les âges nous parle évidemment toujours.

Anarchiste-libertaire pur jus, n'ayant jamais fait allégeance à aucune bannière, se méfiant même du grégarisme et du sectarisme de ses camarades contestataires, Jossot, déçu par ses pairs et les usages de la presse française, affecté par des malheurs personnels (la mort de sa fille) finit par quitter en 1913 la France honnie pour la Tunisie, où il se mêla aux indigènes, embrassant temporairement l'islam pour mieux rejeter son passé.

L'expo rassemble un éventail d'une grande richesse de toutes les facettes de sa production graphique, dessins de presse, caricatures, illustrations, affiches, publicités, aquarelles, toiles, mais aussi des écrits qu'il faut prendre le temps de lire. Jossot écrivait avec le même talent et la même fureur qu'il dessinait, et son analyse au vitriol des travers de la société qu'il a fuie au début du XXème siècle résonne avec un écho encore à ce point assourdissant, qu'on la croirait vilipender notre début de XXIème siècle. C'est dire si Jossot n'a rien perdu de sa puissance, de sa hargne, et si son influence a pu être reconnue encore aujourd'hui par les plus grands dessinateurs de presse.

Si j'étais président

2011-05-28T02:15:00.005+02:00

La conquête de Xavier Durringer.

Biopic. Entre les deux élections présidentielles de 2002 et 2007, un fringant ministre (qui vous savez) se forge un destin, tendu de tout son être vers le seul objectif du pouvoir suprême, déjouant les chausse-trapes, écrabouillant les obstacles, quitte à y laisser quelques plumes sur le plan affectif.

Avec quelques acteurs qui se donnent un mal de chien pour ressembler à leurs modèles dans la vraie vie, et y parviennent parfois de façon assez confondante, tels Denis Podalydès campant l'actuel chef de l'Etat, Florence Pernel en Cécilia, ou Bernard Le Coq en Chirac, le film n'arrive pas vraiment à s'arracher de son principe de réalité, et à transformer ces silhouettes réussies en vrais personnages dramatiques. Le spectateur est tenté en permanence de comparer l'acteur à son modèle, et on finit par penser qu'il aurait mieux valu s'abstenir de toute ressemblance physique pour mieux faire ressortir le propos du film.

C'est d'ailleurs là un autre écueil, car on peine à distinguer un vrai propos dans ce récit qui ressemble davantage à l'illustration d'un journal de campagne, dont les tenants et aboutissants sont déjà largement connus du public, sans réelle valeur ajoutée par rapport à l'actualité qui s'est déroulée sous nos yeux (parfois ébahis) durant la période concernée. L'inconvénient d'un film tiré de faits réels, c'est qu'on connaît déjà la fin, et celui-ci ne parvient pas vraiment à s'élever beaucoup plus haut que le niveau de l'anecdote. Le scénariste Patrick Rotman, par ailleurs brillant documentariste, a du mal à entrer définitivement dans la fiction, à lui donner un vrai souffle, malgré une construction judicieuse, où des séquences de la journée d'élection du 6 mai 2007 sont entrelardées de flashbacks sur les cinq années précédentes.

Il reste quand même en filigrane le portrait d'un homme qui sacrifie tout à sa soif inextinguible de pouvoir, y compris le bonheur conjugal qui a été la clé de son succès politique. A le montrer se goinfrer de chocolats toute la sainte journée pour compenser ses carences affectives, le film le rendrait presque sympathique, ce qui est tout de même un comble. En faisant du candidat une victime de l'amour, les auteurs oublient un peu le sale type sans scrupules, colérique, imbu de lui-même, inculte, vulgaire, mal embouché, méprisant la syntaxe, et vouant une admiration sans borne à la réussite matérielle. En même temps, qui voudrait voir un film dont le héros est un odieux personnage ?

Sur le plan formel, il faut déplorer des dialogues un peu trop didactiques, où les personnages s'expriment avec la morgue et la précision d'un livre politique. Le parti pris de coller à l'intimité des personnages en filmant presqu'exclusivement en huis-clos occulte la charge symbolique des différents lieux du pouvoir, Elysée, ministère, siège de parti, QG de campagne, et donne une vision étrangement déspatialisée, quasi hors-sol, de la politique. Enfin la musique originale donne au film un parfum incongru de tragi-comédie italienne par des clins d'œil lourdement appuyés à Nino Rota.

Pas grand chose à retenir donc, de ce premier grand biopic politique contemporain à la française, hormis sa qualité de transgression éminemment salutaire. Autrement dit, le film a quand même le mérite d'avoir brisé un tabou en représentant un dirigeant en exercice.

Beaucoup de Français espèrent en tout cas que l'avenir de donnera pas à Durringer l'occasion de tourner une suite : La reconquête.

Crash-test :

L'Afrique dessinée

2011-05-27T13:02:00.014+02:00

A l'occasion de la sortie du livre d'Anselme Putain d'Afrique, votre cyber gazette préférée a voulu se pencher plus avant sur la question de la bande dessinée africaine, en interviewant Christophe Cassiau-Haurie, directeur de la collection de BD africaine chez L'Harmattan, par ailleurs auteur d'une étude sur la BD indocéanienne, Iles en bulles, parue chez Centre du Monde à la Réunion, et co-organisateur du premier Salon des auteurs africains de BD qui a eu lieu en décembre à Paris.

Comment est née l'idée d'une collection BD chez L'Harmattan, une nouveauté chez cet éditeur ?
Il me semblait que les auteurs de BD d'Afrique n'avaient pas d'espace suffisant éditorialement parlant, pour s'exprimer et montrer leur savoir-faire. Cela est vrai en Europe aussi bien qu'en Afrique. J'ai donc proposé cette collection à L'Harmattan dans le but de combler ce manque. Recourir à cet éditeur me permettait en particulier une double présence : en Europe où il est installé mais aussi en Afrique où il est très implanté. Et puis, je savais que je rencontrerais une belle réactivité de leur part, mais aussi qu'ils me laisseraient travailler en totale autonomie.

Comment se passent les contacts avec les auteurs éloignés et parfois difficiles à joindre ?
Disons qu'avec mes différentes activités (journalisme, voyage, organisation de salon, interventions diverses et variées, scénarios, etc..), j'ai pas mal de contacts et de connaissances. Alors, évidemment, ça aide. Et puis les artistes ont confiance, ils savent que j'essaie de les aider. Enfin, Internet a tout de même permis de briser des barrières, incontestablement.

Est-ce qu'il est possible de définir une spécificité de la BD africaine ?
Non, dans ce cas là, l'Afrique est fille aînée de l'Europe. Il existe un certain mimétisme, tout de même ! Y compris dans la forme narrative. Il n'y a que quelques cas, comme chez Anselme justement, où l'on sent quelque chose de nouveau. Mais ces influences européennes sont néanmoins incontestables. La BD africaine n'existe pas encore, on peut plutôt parler de BD d'Afrique.

Alors dans quel état se trouve actuellement cette BD d'Afrique ?
C'est à l'image de l'ensemble de l'ensemble de l'édition africaine. Hormis l'édition scolaire, les ventes sont faibles et ne dépassent pas les mille exemplaires. Le journal reste encore un support important pour la BD. Pour celle-ci c'est sans doute encore pire du fait de la mauvaise image qu'elle dégage dans les générations précédentes. L'omniprésence de la lecture dite "utilitaire" est également un frein à la diffusion de la BD. A ceci se rajoutent des difficultés économiques pour bien des foyers et la quasi-absence de soutien public à l'édition. Alors, non, elle ne se porte pas très bien et l'édition d'albums est assez faible ! Une dizaine par an pour l'ensemble des pays d'Afrique francophone, dont une moitié au moins reçoit un soutien de la coopération française.

Imagines-tu pouvoir déborder du domaine francophone pour proposer des auteurs du reste de l'Afrique ?
Difficile... Je n'ai pas la structure suffisante derrière pour envisager ce type d'opérations. Dommage !

D'où vient ton intérêt personnel pour la BD africaine ?
J'ai été élevé en Afrique, à Douala, au Cameroun. Là bas, je suivais chaque semaine dans les journaux Les aventures de Sam Monfang, le détective. Et puis, par la suite, l'ai reçu Les aventures de Kouakou. A l'époque, je pensai que c'était africain, alors que c'était fait en France par des auteurs français. Enfin, bref, tout cela m'a influencé. Entre temps, j'ai vécu en France, où la BD était l'un de mes centres d'intérêts. Retourné en Afrique, à Kinshasa puis à Maurice, mais aussi au Mali, au Kenya, je me suis rendu compte que personne ne s'y intéressait vraiment. Et comme, j'avais envie d'écrire, et d'écrire sur l'Afrique, j'ai commencé à investir ce champ, un peu par hasard, puisque mes premiers écrits d'il y a dix ans ne concernaient pas du tout la BD.

Pour finir, un mot sur Putain d'Afrique et Anselme ?
J'ai découvert Anselme en achetant Retour d'Afrique en 2005 à la Réunion. J'ai tout de suite été stupéfait par son style graphique et son ton caustique. Difficile à définir : quelque chose entre du dessin de presse et de la BD. A la fois très déjanté et maîtrisé. Lorsque je l'ai rencontré il y a quatre ans à Tananarive, je lui avais demandé s'il avait des inédits, il m'a envoyé quelques mois après, le manuscrit de Putain d'Afrique que j'ai mis sous le coude durant un an et demi, le temps pour moi de lancer la collection. Pour moi, c'est une bombe, une vraie : un discours déjà entendu certes mais pas avec cette force et ce désespoir. Il a un sens de la narration assez étonnant, tout en fausses pistes et en même temps très percutant. L'album sort après sa mort, quel dommage ! Mais au moins cela rendra un peu hommage à son talent.
L'école malgache est très particulière, ce sont les seuls à avoir créé un style bien à eux dans les années 80, très influencé par les fumetti italiens (Blek le Roc, Zembla, etc..) et le cinéma d'horreur américain, toujours en langue malgache. Tout en étant à part, Anselme est l'héritier de ce mouvement, quelque part. C'était l'un des derniers dinosaures encore actifs.

Au cœur des ténèbres

2011-05-26T15:40:00.014+02:00

Putain d'Afrique d'Anselme Razafindrainibe.

C'est l'album posthume d'Anselme, le génial dessinateur malgache qui a quitté ce monde cruel au début de cette année. Il est publié par l'éditeur parisien L'Harmattan qui a entrepris, sous la houlette du directeur de collection Christophe Cassiau-Haurie, de lancer un département de bande dessinée africaine. Comme je suis pas la moitié d'un flemmard, j'en profite pour recycler ici la préface que j'ai été invité à rédiger pour ce livre drôle et méchant.

Anselme Razafindrainibe (1956-2011) est l’un des représentants les plus mémorables de la vitalité extraordinaire de la bande dessinée malgache. Il en avait déjà fait la preuve en publiant un premier album en 1999, Retour d’Afrique, à la Réunion.

Il récidive avec ce nouvel opus qui pourra sembler assez déconcertant à certains lecteurs européens, peu habitués à la virulence d’un propos aussi radical sur la situation post-coloniale en Afrique. Cette charge féroce serait sans doute balayée avec mépris si elle émanait d’un chroniqueur extérieur au continent, prêtant le flanc à des accusations d’afro-pessimisme, de paternalisme, voire de néo-colonialisme rampant. Mais ce brûlot émane d’un ancien colonisé (quoique brièvement) qui peut se vanter de bien connaître le sujet. Ayant parcouru quelques recoins parmi les moins recommandables d’Afrique et issu d’un pays qui a collectionné tous les travers de la Françafrique (ingérences étrangères, dictature, socialisme tropical, simulacre de démocratie, kleptocratie, sous-développement), Anselme a, en effet, toute légitimité pour forcer ses lecteurs à le suivre dans son introspection morbide des maux de ce continent vus par un indigène.

Dessinant d’un trait vif et sans merci, Anselme n’y va pas avec le dos de la cuillère à riz pour faire un sort aux illusions héritées d’un XXème siècle passé par profits et pertes. Il soigne équitablement anciens colonisateurs et anciens colonisés, corrupteurs et corrompus, maîtres et laquais, exploiteurs et profiteurs, égorgeurs et constricteurs, dressant un tableau peu flatteur, notamment pour les Africains, d’un continent à la dérive. Avec une amertume mouillée d’acide, il observe comment sous toutes les latitudes et en toute circonstance la bêtise, la cupidité, la cruauté, l’égoïsme, sont les qualités les mieux partagées. Et malheureusement ou heureusement, il faut bien reconnaître que c’est assez drôle.

Que fait la police ?

2011-05-22T14:27:00.001+02:00

Just My Type, a Book About Fonts de Simon Garfield.

Attention, lecteurs francophones, ce livre est en étranger, et n'a pas encore été traduit.

Simon Garfield, journaliste, essayiste, est un béotien en matière de typographie, amateur éclairé qui s'est lancé à l'assaut des polices de caractère avec candeur et un brin d'insolence. Evitant le jargon technique pour se mettre à la portée du plus grand nombre, il explique surtout comment cette forme de création artistique est à la fois la plus universellement répandue, et, si tout va bien, la plus invisible.

Après l'indispensable mise en perspective historique sur la graphie, l'imprimerie et ses évolutions techniques, il nous rappelle combien la typographie est à la base de toute culture, chacun de nous étant un typographe qui s'ignore, que l'on trace des lettres à la plume de notre blanche main, ou qu'on ait versé dans le XXIème siècle électronique. Le livre accole les petites histoires méconnues de la grande histoire typographique, pourquoi Baskerville se fit enterrer debout dans son jardin, pourquoi les Nazis interdirent les caractères gothiques à partir de 1941, pourquoi Cobden-Sanderson jeta dans la Tamise les moules de la police Doves à jamais disparue. Mieux qu'un traité théorique extrêmement savant et péremptoire sur la question, en général contredit par le traité concurrent publié immédiatement après, Garfield fait comprendre que la typographie n'est pas neutre, et qu'elle conditionne, souvent à notre insu, des pans entiers de notre perception, et donc de notre compréhension, du monde.

Attention, calembour désopilant : on en déduit que ce livre transforme chaque lecteur en chevalier des arts et des lettres.

Pour info, ce blog est écrit en Arial (à moins que les préférences de votre navigateur n'en aient décidé autrement), sa têtière a été composée en Shadowed Germanica et en Futura.

La nostalgie n'est plus ce qu'elle était

2011-05-21T16:28:00.009+02:00

Minuit à Paris de Woody Allen.

Faille spatio-temporelle. En goguette à Paris avec sa fiancée prout-prout, un écrivaillon étasunien rêve d'une vie de bohême dans la ville lumière. Comme par magie, il est chaque nuit transporté dans le Paris des années 20, croisant ses héros Scott Fitzgerald, Ernest Hemingway, Pablo Picasso, Gertrude Stein, etc... et tombe amoureux d'une ravissante garçonne qui se languit de la Belle Epoque, où ils seront comme par magie transportés pour rencontrer Toulouse-Lautrec, Gauguin, etc... C'était toujours mieux avant.

On pourrait croire le film sponsorisé par l'office du tourisme de la ville de Paris, d'ailleurs je crois qu'il l'est. Il s'ouvre par une litanie de magnifiques cartes postales, merveilleusement filmées en couleurs légèrement saturées et jaunies par le chef op' Darius Khonji, florilège des clichés qui encombrent les guides touristiques, charmantes jusqu'à la nausée à force d'accumulation comique. Le décor est planté, Woody déclare sa flamme à Paris. Il emballe son billet doux dans un scénario extrêmement ingénieux, qui confronte le présent de la ville à son passé, soulignant la perpétuité des clichés nord-américains sur notre capitale, et laissant deviner entre les lignes comment celle-ci a perdu sa véritable essence artistique pour se muséifier. Pourtant Carla Bruni, interprète fugitive et pataude d'une guide du musée Rodin, ne parvient heureusement pas à gâcher notre plaisir.

Au contraire, même si le propos peut sembler léger, et il l'est, on apprécie une fois encore la vivacité et l'ironie de la mise en scène et des dialogues alleniens, servis par une flopée de bons acteurs des deux côtés de l'Atlantique. Owen Wilson notamment, velléitaire torturé, se coule à merveille dans les névroses de l'auteur.

Seul regret : je crains qu'il ne soit désormais difficile, après que ce restaurant ait été le décor d'une des grandes scènes du film, de trouver une table libre chez Polidor, rue Monsieur-le-Prince.

Crash-test :

Supplément gratuit

2011-05-21T00:46:00.001+02:00

Un dessin réalisé par Nicolas de Crécy pour le magazine des cinémas UGC, accompagnant un entretien exclusif dépourvu du moindre intérêt avec Woody Allen.

Famille je vous hais

2011-05-14T11:55:00.006+02:00

Animal Kingdom de David Michôd.

Circonstances atténuantes. Un ado qui vient de perdre tragiquement sa mère est recueilli par sa grand-mère et ses oncles, qui ont le défaut d'être des criminels endurcis, voire un peu psychopathe pour l'un d'entre eux, recherchés par toutes les polices d'Australie, y compris les plus expéditives. Ils vont inexorablement entraîner le gamin dans leur chute.

Dans le genre thriller familial, le scénario n'est pas d'une originalité folle, mais le film joue en fait de cette relative banalité pour en tirer une épure cinématographique. La violence, qu'on retrouve aussi bien chez les gendarmes que chez les voleurs, est ainsi très peu montrée sur l'écran mais davantage suggérée, ou maintenue habilement hors-champ, ce qui contribue à une atmosphère de malaise autrement plus pesante et dérangeante que ne le serait une débauche d'hémoglobine et de surlignage sonore. Entre la scène d'ouverture et la scène de fin, toutes deux absolument époustouflantes, le film déroule placidement son récit, mettant en cause la légitimité de la violence, la force du destin, la capacité de s'amender, la justice, et c'est en fait sa mise en scène froide et précise, habile et minimaliste, qui va faire que cette histoire apparemment anodine va durablement infuser chez le spectateur en provoquant un flot de questionnement bien après le générique de fin, qualités qu'on avait déjà trouvées il y a quelques années dans un autre film australien, l'excellent Lantana. En général, la marque des bons films.

Un autre atout du film est son casting entièrement australien, c'est à dire composé de visages qui nous sont, de ce côté-ci de la planète, complètement inconnus, ce qui lui confère un supplément d'authenticité que n'auraient jamais obtenu la sempiternelle brochette de vedettes et autres demi-sels hollywoodiens que les productions californiennes recyclent thriller après thriller.

Crash-test :

Tous en slip !

2011-05-01T17:26:00.000+02:00

Titeuf, le film de Zep.

Drames de l'enfance. Titeuf, jeune écolier enclin aux quatre-cents coups et aux émissions corporelles en tout genre, traverse une mauvaise phase. Non seulement ses parents se séparent, mais surtout, il n'est pas invité à l'anniversaire de la plus belle fille de l'école, dont il est amoureux aussi éperdument que vainement. Les deux problèmes seront heureusement réglés malgré les ingénieux stratagèmes qu'il aura déployés à cet effet.

L'affreux Jojo à houppe blonde de Zep sort de sa bande dessinée et se lance au cinéma. Et Zep ne manque pas d'air, pourrait-on penser, en écrivant le scénario et en en réalisant lui-même le film. Les cimetières du cinéma sont remplis de dessinateurs de BD ayant ruiné leur réputation et parfois leur talent sur le grand écran. Et bien des critiques n'ont pas manqué de tordre le nez devant la présomption de Zep et un résultat jugé décevant. Il n'en est rien. Les reproches faits à ce film sont en fait les mêmes, ineptes, qu'on adresse en général à la bande dessinée Titeuf : un côté régressif, caca prout vomi (qui ne mérite certes pas le traitement en prétendue 3D relief), allié à une certaine intelligence des choses de l'enfance, appelant le lecteur (ou désormais le spectateur) à délaisser un temps sa morgue d'adulte.

Echaudé peut-être par une série TV qui, elle, était assez ratée, faible en scénarios comme en animation, Zep a sans doute voulu tout contrôler lui-même pour mieux s'assurer du résultat. Le rendu esthétique sur l'écran est très fidèle aux meilleurs dessins des récents albums. Et le récit, très habile, tient la route, mieux que les histoires longues de Titeuf en BD, mêlant la drôlerie d'un regard enfantin à une analyse sociale sans prétention mais assez fine. Zep parvient même à ménager une fin mi-figue mi-raisin, alors qu'on croyait se diriger vers un inéluctable happy end.

Côté musique, on sait Zep amateur, et il s'est payé une chanson interprétée par Goldman, Bénabar, Cabrel et Souchon. Et surtout, alors que l'affiche du film n'en dit rien, il a fait appel, non seulement pour une chanson, mais aussi pour prêter sa voix à un personnage au cours d'une très belle scène fantasmée, à un célèbre rockeur français vieillissant, avec des problèmes de hanche, résident suisse, mais dont on ne peut révéler le nom sous peine de gâcher la surprise.

Crash-test :

Hare Rama

2011-04-28T03:26:00.007+02:00

Sita Sings the Blues de Nina Paley.

Chagrin d'amour légendaire. Une artiste étasunienne trace un parallèle entre son grand amour contrarié avec son mari parti en Inde, et l'ancestrale mythologie indienne du Ramayana où la malheureuse princesse Sita est répudiée par son mari Rama. Nina Paley, a mesuré sa pitoyable autobiographie à l'un des mythes fondateurs de la culture indienne, pour en faire ressortir la portée universelle, et aboutir à une réussite narrative et graphique époustouflante.

Sita Sings the Blues est un film exceptionnel à plus d'un titre. Pour commencer, Paley a conçu, dessiné, et réalisé toute seule ce long-métrage sur son petit ordinateur portable, marnant sans relâche sur son clavier pendant cinq ans. Ensuite, méprisant l'argent qu'elle aurait pu se faire avec son chef d'œuvre, elle a choisi, au lieu de l'exploiter commercialement, de le rendre disponible gratuitement sous licence libre Creative Commons, qui autorise toute distribution et reproduction à l'exclusion de tout paiement ou verrouillage numérique. Il est donc depuis sa sortie en 2008 en libre accès en téléchargement ou en streaming sur internet. Paley a pris au sérieux le message d'universalité qu'elle entend propager au moyen de son film !

Son malheur amoureux faisant notre bonheur, Paley se révèle surtout une artiste inspirée, mélangeant plusieurs styles graphiques pour mieux articuler les différents éléments de son récit, autobiographiques ou mythologiques, recyclant vertigineusement l'imagerie populaire indienne, et travaillant avec l'aide de spécialistes, indiens ou non, une bande-son remarquable rehaussée des chansons d'une vedette oubliée du jazz des années 30, Annette Hanshaw. Elle ajoute aussi des commentaires ironiques délivrés par des marionnettes de théâtre d'ombres dotées d'un accent sous-continental à couper au kriss.

Succès mondial, le film a été presque partout encensé par la critique, et pour cause. Sauf en Inde. D'un côté les extrémistes hindous ont hurlé au blasphème, déniant à un étranger non hindou, une femme par-dessus le marché, le droit de s'approcher à moins de dix-mille kilomètres de leur légende sacrée. De l'autre, des gauchistes bien-pensants ont cru devoir dénoncer une œuvre néo-colonialiste produit d'un point de vue dominant de blanc impérialiste, ce qui revient un petit peu au même. Ça vaut tous les Oscars®.

On peut voir le film sur le site officiel. On le trouve aussi non-stop ici, et en VOSTF là.

La rubrique vexillologique

2011-03-28T10:29:00.007+02:00

Après quelques années de pénibles tergiversations, donnant lieu à des tentatives graphiques qui rivalisaient de mauvais goût, les autorités provisoires de la Libye libérée du joug kadhafiste viennent de décider l'adoption définitive de nouvelles couleurs nationales, un drapeau tricolore bleu-blanc-rouge d'une élégance impeccable. Pendant qu'ils y étaient, ils ont adopté comme nouvel hymne national Dolce Francia, décalqué de Douce France de Charles Trénet par la sublime et délicate Carla Bruni.

Aux dernières nouvelles, les Bahreinis, les Yéménites, les Syriens, hésiteraient encore à emboîter le pas à ces précurseurs libyens, alors qu'il suffirait de quelques bombes pour les décider.

Demi-pinte pygmée

2011-03-27T00:02:00.001+01:00

Cheminant de biais dans les circonvolutions distordues de mon cerveau malade, le dernier mot du billet précédent m'a amené, du coq à l'âne, à offrir aux lecteurs de cette cyber gazette superfétatoire le plaisir de revoir l'un des films de Tex Avery que la Warner, détentrice des droits, a scandaleusement cru bon de devoir cacher à la vue du public, pour complaire préventivement à quelques putatifs crétins bien pensants qui n'avaient pourtant pas seulement eu le temps de donner de la voix avant de voir leur plus intimes désirs et leurs plus malsains fantasmes lâchement réalisés.

J'en profite pour signaler que le fameux ouvrage que Patrick Brion avait consacré à Tex Avery en1984, épuisé, a été réédité par le Chêne en 2009, grâce à quoi j'en ai fait l'acquisition à vil prix chez un soldeur des bords de l'Ill. Avis aux amateurs.

Girl Power

2011-03-26T15:11:00.002+01:00

We Want Sex Equality de Nigel Cole.

Différenciation sexuelle. Dans une lointaine banlieue populaire de Londres, des ouvrières d'une usine Ford, grisées par l'esprit de mai 1968, se mettent en grève pour une poignée de pennies de plus. Se retrouvant à l'avant-garde des luttes sociales, elles finissent par réclamer ni plus ni moins que l'égalité salariale, concept alors exotique, et amènent la direction, le gouvernement, et leurs maris, à résipiscence.

Comme d'habitude, un grand bravo à nos amis distributeurs qui ont traduit en anglais le titre original en anglais, Made in Dagenham, pour un bénéfice escompté inconnu.

Alors bien sûr, cette édifiante comédie sociale, inspirée de faits réels (le générique de fin rend hommage aux véritables ouvrières qui ont servi de modèles), n'est pas exempte d'un certain simplisme. La façon notamment dont sont traités les pouvoirs syndicaux ou politiques peut sembler passablement schématique, pour ne pas dire caricaturale. Voir le fils de l'ouvrière et celui du directeur de l'usine fréquenter la même école peut encore sembler pour le moins surprenant dans l'Angleterre des années 60. Mais ces choix scénaristiques permettent au moins de faire passer clairement le message et de bien identifier les enjeux sociaux, politiques, et donc sexuels, de la lutte de ces dames.

Cole trouve par contre le ton juste dans sa description de la classe ouvrière, en empathie avec ses personnages, servi par des interprètes remarquables, au premier rang desquels Sally Hawkins. L'actrice n'est pas vraiment une bombe sexuelle hollywoodienne, mais sa personnalité et son charme crèvent l'écran et portent le film. Il en résulte une comédie à la fois populaire et intelligente, d'où l'émotion n'est pas absente, comme dans ce discours que fait l'héroïne devant le congrès de la centrale syndicale, qui n'est pas sans rappeler celui du chef d'orchestre dans Les virtuoses.

L'émancipation de la femme britannique devait paradoxalement culminer quelques années plus tard avec l'élection au poste de premier ministre de la très conservatrice Margaret Thatcher, cauchemar des syndicats, et qui elle non plus n'avait rien d'une demi-pinte.

Crash-test :

Méditez l'impartial message

2011-03-21T12:06:00.036+01:00

Brassens ou la liberté, exposition à la Cité de la musique de la Villette à Paris jusqu'au 21 août.

Tellement j'ai le bras long dans l'élite des milieux culturels parisiens, que je faisais partie des VIP invités à se goberger d'onéreux petits fours au vernissage de la nouvelle expo temporaire à sensation de la Cité de la musique. La foule compacte se pressant devant les cimaises avec l'enthousiasme d'un lâcher de neutrons à Fukushima, il fut bien difficile de distinguer calmement tout l'intérêt des pièces présentées, ou de disputer un casque audio à la meute pour goûter méditativement les extraits musicaux offerts à nos oreilles. Tout laisse à penser toutefois que la collection rassemblée à la vue du public, incluant certains documents privés oubliés et retrouvés miraculeusement lors de l'élaboration de l'exposition a tout pour ravir les fans de Georges, dont je ne suis pas loin de faire partie, en dépit de mon assez large ignorance de pans entiers de son œuvre comme de sa vie. Une lacune que je comblerai peut-être en retournant malgré tout visiter l'expo aux heures creuses.

Margré tout, dis-je, car il faut bien avouer que cette exposition, officiellement consacrée à Brassens, et dirigée par un duo de commissaires, semble du début à la fin hurler le nom du second d'entre eux de façon assourdissante : Sfar ! Sfar ! SFAR ! SFAR !!! Pas un objet, pas une pièce présentée, qui ne souffre la présence d'un envahissant dispositif graphique signé Sfar, dans le but évident de les reléguer au second plan.

Plus dérangeant encore, on voit accrochés sous cadres des tirages numériques de dessins de Joann Sfar, pas même identifiés comme tels, mêlés à des documents originaux, photographies, textes, pages de carnets, pochettes de disques, estampillés Brassens. Des dessins issus de pas moins de deux ouvrages que Sfar publie opportunément et simultanément chez Dargaud et Gallimard. On en retire parfois l'impression étrange que l'exposition est conçue comme un dispositif publicitaire pour ces parutions.

Il ne manque que le son.

On se demande si les initiateurs de l'exposition à la Cité de la musique ont pu un instant escompter que la rencontre de Sfar et Brassens allait produire des étincelles, et que le talent de narrateur graphique du premier s'effacerait derrière l'œuvre du second. De ce côté là, c'est raté. On les soupçonne plus volontiers d'avoir fait appel au dessinateur comme on s'associerait à une marque, espérant qu'un petit peu de la gloire de Sfar rejaillirait sur Brassens, pour en retirer des bénéfices en termes de retombées médiatiques et de fréquentation, objectifs un peu commerciaux pour une institution publique pourrait-on faire mine de s'étonner. Pour ça ils n'ont pas dû être déçus, tant le résultat dépasse leurs plus folles espérances : une exposition Sfar avec des petits morceaux de Brassens dedans, encensée par la presse unanime, étalage d'immodestie qui confine à l'obscénité, et plonge le visiteur dans un malaise qui, lui, confine à la nausée.

Après avoir phagocyté au service de son immensité des génies (ou supposés tels) patentés officiellement consensuels non segmentants comme Gainsbourg, Saint-Exupéry, Chagall, on se demande qui Sfar va bien pouvoir ajouter à la liste croissante de ses défunts faire-valoir. Peut-être même que s'ils ne mouraient plus, Sfar crèverait de faim sur son talus.

I grec

2011-03-20T14:17:00.008+01:00

L'heure est grave. Le conseil de sécurité de l'ONU vient de voter une nouvelle résolution, autorisant les états membres à intervenir par tous moyens pour la faire respecter. En vertu de quoi, toute personne qui s'obstinerait à écrire Lybie en lieu et place de Libye s'exposera à des représailles massives de la part de la communauté internationale, y compris des frappes aériennes, y compris non chirurgicales.

La sauvegarde de l'orthographe française est à ce prix, et les pertes de vie éventuelles qui ne manqueraient pas de découler de l'application stricte de cette résolution pèseront bien peu en regard du bénéfice qu'en tirera la postérité reconnaissante.

Cliquer sur la carte pour mieux comprendre la situation.

Cause toujours

2011-03-15T09:11:00.005+01:00

Le discours d'un roi de Tom Hooper.

Orthophonie antipodique. Entre les deux guerres mondiales, l'héritier au trône d'Angleterre est affligé d'un terrible bégaiement, résultat d'une éducation répressive. Le futur monarque entreprend d'améliorer son élocution sous la direction d'un spécialiste auto-proclamé aussi australien que non-conventionnel. Grâce à quoi le nouveau roi George VI évite de faire rigoler l'empire au moment d'annoncer son entrée en guerre à la radio. Ouf.

Difficile de trouver à redire quoi que ce soit à redire à ce beau film basé sur un recoin méconnu mais véridique de l'histoire officielle. L'interprétation est effectivement remarquable, qui a valu un Oscar® à Colin Firth, alors que face à lui Geoffrey Rush est plus épatant encore. On admire surtout le travail conjoint du décorateur et du directeur photo qui réussissent de délicieuses compositions graphiques incluant notamment des motifs de papiers peints assez incroyables.

Pourtant cette belle histoire édifiante de héros courageux qui triomphe du handicap à force de volonté paraît surtout très attendue, quasi lénifiante. Elle est de plus servie de façon très académique, presque un peu désuète : le film aurait tout aussi bien pu être tourné à l'époque de son sujet, les années 30, il n'en aurait pas été formellement très différent, la couleur mise à part. Il n'est pas exclu que ce fût précisément le but des auteurs, auquel cas il faut saluer leur réussite.

Crash-test :

La cité merveilleuse

2011-03-13T09:09:00.002+01:00

Rio Sex Comedy de Jonathan Nossiter.

Tourisme sexuel. Expatriés à Rio, une chirurgienne esthétique anglaise, la meilleure du monde car elle n'opère jamais personne, un ambassadeur étasunien en cavale, une tribu indienne amazonienne téléphage, et un couple de Français, font l'expérience de certaines réalités du Brésil, où l'énergie sexuelle semble être le principal moteur de la société. Les Cariocas ne pensent qu'à ça, ce qui n'a pas l'air de fortement défriser les touristes.

Le réalisateur Jonathan Nossiter restera pour toujours comme l'auteur de Mondovino, le fameux documentaire sur le vin, l'un des films les plus intelligents que j'aie jamais vus, raison suffisante pour s'intéresser à sa nouvelle fiction. Nossiter, américain polyglotte éduqué en Europe, avance en terrain connu, puisqu'il réside lui-même à Rio. Il tire ainsi le portrait de sa ville, avec un scénario à personnages et entrées multiples, qui lui permet d'aborder des questions graves de façon légère. Mais malgré sa mise en scène très libre et enjouée, flirtant sans cesse avec le documentaire, sa façon ironique de briser les clichés pour mieux en jouer n'est pas exempte d'un certain narcissisme cinématographique où l'auteur se regarde filmer avec satisfaction et semble oublier un peu en cours de route aussi bien son propos que ses spectateurs.

Carte postale ou anti-carte postale, le film de Nossiter est aussi rafraîchissant qu'un coco frio sur la plage de Copacabana, et aussi vite digéré.

Crash-test :

Un cran en dessous

2011-03-10T09:09:00.003+01:00

True Grit d'Ethan et Joel Coen.

A l'ouest du western. Héritant quelques sous de son père mort bêtement assassiné, une gamine fraîchement pubère qui n'a pas froid aux yeux embauche un vieux marshal aussi borgne qu'alcoolique pour aller courser le coupable en territoire indien. Patelin sans foi ni loi, trognes patibulaires, coyotes à foie jaune, bivouacs au clair de lune, cavalcades, fusillades, collection de macchabées, l'aventure se paiera bien un jour, j'en mettrais ma main à couper.

Le titre énigmatique de ce film, adapté d'un roman du même nom, aura donné un peu de fil à retordre aux meilleurs anglicistes du Bourget. Grit désignant au sens propre un gravier très fin, une poussière minérale abrasive, et au sens figuré le cran dont peut faire preuve un caractère obstiné. Qualité du vieux marshal qui force l'admiration de la jeune fille, laquelle s'avèrera en être tout autant pourvue.

Le western ayant à peu de choses près le même âge que le cinématographe, les frères Coen ont dû juger indispensable de s'y frotter pour conquérir quelques galons supplémentaires à leurs épaulettes de cinéastes. On ne disputera pas leur capacité à digérer et régurgiter leur science du genre pour en faire un traitement à la fois moderne et fidèle à l'époque du sujet, reconstitution historique esthétiquement inspirée, en recyclant certaines des figures de style qui peuplent les westerns, le tribunal, la pendaison, la poursuite, le concours de tir, le duel, le sauvetage de vie. Mais finalement on les sent plus contraints que stimulés par cet exercice de style, plaisant à regarder quoique parfois un peu longuettement dialogué. Et il devient difficile d'y trouver la suggestion ironique du malaise existentiel qui fait leur marque de fabrique habituelle, au point qu'on se demande même au fond ce qu'ils ont bien voulu nous raconter.

Malgré une excellente interprétation, Jeff Bridges en vieux bougon, Matt Damon en matamore texan, et surtout la jeune et remarquable Hailee Steinfeld, on finit par se désintéresser des personnages, dont on se prend à espérer que leur destin s'accomplisse au plus vite tant il devient de plus en plus transparent.

Les meilleurs moments se situent en fait au début, quand la gamine arrive en ville pour régler l'inhumation de son père, solder les finances du défunt, avec l'idée en tête de le venger par tous moyens légaux. La scène ou elle marchande le prix d'un cheval et d'une selle est un morceau d'anthologie. Le seul du film malheureusement.

Crash-test :Lire aussi l'avis d'un cinéphile orléanais.

La nuit des crash-test Dummies® 2011

2011-03-06T23:47:00.001+01:00

Eh bien dites donc, rarement cérémonie de remise de trophée aura provoqué un enthousiasme populaire aussi indescriptible ! Mon carnet à souches est resté quasi inviolé. La machine à popcorn n'a même pas été branchée. L'ouvreuse a filé un bas. C'est bien simple, j'ai dû congédier l'imposant service d'ordre, leur filer à chacun un ticket restaurant, et les envoyer se régaler au kebab L'étoile d'Istanbul, le meilleur restaurant du Bourget. Il en faudrait davantage pour doucher notre enthousiasme, aussi ai-je le plaisir de révéler le nom du lauréat du Dummy® d'or 2011, désigné à l'unanimité du jury :

Very cold trip de Dome Karukoski.

C'est pas si souvent qu'un film finlandais parvient sur nos écrans, surtout depuis que Kaurismäki l'a mise en veilleuse Pourquoi bouder sa joie ?

Comme d'habitude mon choix personnel n'est pas entré en ligne de compte, mais j'en tenais plutôt pour le brillantissime Ghost Writer de Roman Polanski. Un film avec rien à jeter dedans, c'est assez rare.

Restez tout de même après le générique de fin pour notre supplément gratuit.

Supplément gratuit

2011-03-06T23:38:00.004+01:00

Avec le vrai titre en finnois.

Clones tristes

2011-03-01T03:17:00.002+01:00

Never Let Me Go de Mark Romanek.

Le meilleur des mondes. Dans une terrifiante uchronie qui court des années 50 à 90 du siècle dernier, l'humanité a vaincu les maladies, et porté l'espérance de vie au-delà de cent ans. Alors qui sont donc ces enfants élevés dans de jolis pensionnats, coupés du monde extérieur, et qui semblent résignés à accepter un destin auquel ils comprennent bien peu ?

Le film est adapté d'un roman de l'auteur anglais (comme son nom ne l'indique pas) Kazuo Ishiguro (Les vestiges du jour). L'astuce majeure du roman d'Ishiguro (traduit en français par Auprès de moi toujours, que je m'empresserai de lire dès que possible), également au centre du film, est d'avoir choisi non pas de nous projeter dans le futur pour nous parler d'un monde à venir, mais de nous ramener à une époque fraîchement révolue, quasi contemporaine, qui nous place directement au cœur du sujet, comme si les événements auquel le récit fait allusion avaient pu déjà avoir lieu à notre insu. On y voit des avancées scientifiques se faire au prix d'une régression morale sans précédent, ce qui donne à réfléchir puissamment sur le coût civilisationnel de changements qui nous sont présentées comme autant de progrès per se, et imposés sans débat pour cette raison. Ce faisant, le film interroge subtilement notre propre indifférence, notre propre résignation, notre propre responsabilité face aux évolutions de notre société actuelle et leurs conséquences, qu'il s'agisse de sciences de la vie, de nanotechologie, ou de l'emprise technologique globale qui s'impose partout.

Car ce qui est effrayant dans le récit qui nous est fait, ce n'est pas une débauche d'hémoglobine, ou un suspense savamment ménagé, souligné de puissants effets sonores, mais c'est au contraire cette banalité glacée de l'horreur. Promis à une mort inéluctable, les personnages ne se rebellent pas, ne critiquent rien, ne questionnent même pas. Ils subissent sans broncher leur mise à l'écart, puis leur mise au rancart, encaissant avec une aimable tristesse les rares marques de commisération qui leur sont adressées. Comble du totalitarisme, ils approuvent la fin qui leur est réservée, et apportent même leur concours actif à sa mise en œuvre.

Prenant toute la mesure de la cruauté barbare son sujet, Romanek fait une mise en scène à la fois froide et délicate, aux antipodes du spectaculaire et tapageur The Island sur un thème proche. Il ne dévoile que très progressivement le mystère de ces êtres à part, instillant graduellement le malaise, jouant sur le contraste entre l'abjection de ce qu'on découvre, et l'extrême douceur avec laquelle elle nous est présentée. Difficile de rester indifférent.

Crash-test :

La troisième nuitdes crash-test Dummies®

2011-02-27T19:31:00.012+01:00

Ils me font bien rigoler avec leurs César®, leurs Oscar®, leurs Gérard®, leurs Mouammar®, biffer les mentions inutiles, quand le Bourget rayonne avec une superbe incontestée sur ce petit monde des médailles du mérite cinématographique grâce à la désormais très attendue cérémonie annuelle de la nuit des crash-test Dummies® qui se targue de réchauffer le cœur des cinéphiles les plus endurcis en distinguant avec un discernement qui n'est plus à démontrer le meilleur film que les lecteurs rescapés de cette cyber gazette gothique auront pu voir sans s'esquinter mirettes ou neurones au cours des douze derniers mois. On voit par là qu'imperméable à l'insuccès, notre ambition reste intacte à chanter les louanges du cinéma de qualité.

Le principe brille d'ailleurs par sa simplicité : c'est vous, lecteurs chéris, qui désignerez le lauréat en m'indiquant dans le courrier des lecteurs ci-dessous vos trois films préférés clasés de 1 à 3. Je me charge par une péréquation alambiquée de distiller un résultat d'une honnêteté inversement proportionnelle à sa transparence.

Le jury au grand complet.

Malheureusement, et pour des raisons indépendantes de ma volonté, je n'ai pu comme précédemment me fader cette année l'intégralité ou quasi des navets qui se sont succédé sur les écrans français, aussi ne publie-je qu'à titre indicatif une sélection de ceux qui ont malgré tout eu les honneurs de ces colonnes, mais je vous invite à compléter votre trio gagnant avec des films issus de vos visionnages personnels, si tant est qu'ils aient eu lieu entre mars 2010 et févier 2011 (je vérifierai les talons des tickets).

The Ghost Writer
Une éducation
La route
La merditude des choses
Copacabana
Le premier qui l'a dit
Tamara Drewe
Des hommes et des dieux
Very cold trip

Réfléchissez bien. Je ramasse les copies dans une semaine, le résultat sera annoncé dimanche soir. Et derechef je me considérerai tenu de dessiner pour vous récompenser de votre fidélité une copie certifiée conforme de l'affiche du film qui recevra le si convoité Dummy® d'or.

Madagascar, carnet de voyage

2011-02-26T21:59:00.009+01:00

En lice pour la compétition des petites statuettes dorées au prénom désuet qu'on peut mettre sur sa cheminée à côté des gondoles vénitiennes musicales, ce film réalisé par un jeune français, Bastien Dubois, qui a peut-être lu le livre de Denis Vierge Vazahabe !. Hollywood ne se lasse apparemment pas de l'animation française qui arrive toujours à fourrer l'un ou l'autre de ses représentants dans ces prestigieux concours de beauté.

Les Monsieur Madame

2011-02-21T15:57:00.003+01:00

Les Monsieur Madame d'après Roger Hargreaves.

En 1971, Roger Hargreaves, un directeur artistique londonien, imagina pour son fils la première aventure de Monsieur Chatouille (Mr. Tickle en VO), loin de se douter du succès fulgurant qu'allait connaître la ribambelle de personnages qui allaient suivre dans une série de mini-livres, sous l'appellation générique des Monsieur Madame (Mr. Men en VO) : une micro-société de personnages au caractère bien marqué, Monsieur Costaud, Monsieur Glouton, Madame Tête-en-l'air, Madame Catastrophe, etc...
La télé, à savoir la BBC, s'y intéressa dès 1975, apportant son concours à un développement industriel du concept, immensément populaire au Royaume-Uni, au point que les héritiers de Hargreaves cédèrent les droits au début des années 2000 à un groupe britannique à qui les possibilités quasi infinies de marketing de la série n'ont pas échappé.

Une nouvelle adaptation télévisée fut confiée en 2006 au studio californien Renegade pour la chaîne Cartoon Network, qui a su avec une certaine habileté moderniser et styliser les personnages dans un nouvel environnement. Outre la réussite esthétique de la série, il faut souligner l'humour des scénarios, mélange de non-sense britannique et de slapstick hollywoodien, qui a l'immense mérite de faire confiance aux neurones des jeunes téléspectateurs, ce qui n'est pas monnaie si courante dans les programmes jeunesse.

Le générique en français.

Un épisode en anglais.

Le mur de l'image

2011-02-18T21:57:00.015+01:00

Depuis la commercialisation de masse d'appareils de réception de la télévision en couleurs, les marques sont confrontés à une sorte de mur de l'image en voulant faire la promotion de leurs produits à la.. euh... enfin... eh bien... télévision. Avec cette quadrature de l'électron à résoudre : comment montrer les incomparables qualités visuelles du téléviseur à vendre par le truchement du téléviseur actuel servant à regarder la publicité pour le nouveau ? Tombant dans le tube cathodique à pieds joints, la plupart des grandes marques d'électronique ont pendant des années fait la démonstration des couleurs supposées époustouflantes de leurs appareils sur l'écran dénigré où le consommateur putatif les visionnait, avec vraisemblablement l'impression que ces images d'un futur meilleur ressemblaient furieusement à celle de son présent actuel, et pour cause. Un peu comme si pour vous vendre une nouvelle voiture, on vous emmenait faire un tour essayer votre ancienne voiture !

Conséquence : plus un téléspectateur avait un mauvais téléviseur, et donc plus il avait de raison de vouloir en changer, moins il risquait d'être convaincu par les arguments commerciaux développés en images sur icelui.

Ça n'est que récemment que la marque Sharp s'est enfin réveillée et s'est emparée du paradoxe pour en jouer dans une série de publicités qui ont été me semble-t-il brièvement diffusées en France aussi.

On y reconnaît l'acteur nippo-étasunien George Takei, célèbre paraît-il pour son rôle dans la série Star Trek dans les années 60.

L'occasion est belle de rappeler comment d'autres marques se sont parfois fourvoyées en essayant de contourner plus ou moins habilement ce mur de l'image, telle Sony avec cette publicité pourtant aussi exquise que frappante. J'ai eu toutes les peines du monde à retrouver la référence au fond de ma mémoire, tant on s'attend à voir apparaître sur le pack shot une marque... d'imprimantes.

L'histoire se répète avec l'invention de la télévision en relief : mais comment faire pour montrer la 3D sur ces bon sang de vieux téléviseurs en 2D ? Ben on peut pas, hein. C'est pas faute d'essayer, pourtant.

Papy fait de la résistance

2011-02-15T19:59:00.003+01:00

Harry Brown de Daniel Barber.

Un justicier dans le quartier. Après le meurtre de son dernier ami, un veuf ancien marine à la retraite décide de passer au Kärcher® la racaille qui fait la loi dans son quartier pourri, parce que s'il fallait compter sur la police, hein.

Stylistiquement, ce film est absolument parfait dans le genre naturaliste britannique, équivalent cinématographique d'une bonne tasse de thé froid en sachet vaguement dégoûtante, de circonstance pour évoquer la déréliction de quartiers populaires abandonnés. Excellente photographie, montage sobre, interprétation remarquable, avec au premier rang l'un des meilleurs acteurs anglais, Michael Caine, vivant dans le passé de son personnage comme si c"était son passé à l'écran.

La critique de la police, davantage préoccupée de relations publiques et de statistiques que de maintien de la paix civile et d'investigation, est à l'évidence bien vue, et porte d'autant plus de ce côté ci de la Manche où la politique sécuritaire que vous savez court également d'impostures en fiascos depuis une décennie pour les mêmes raisons.

Malheureusement, faisant fi de tous ces ingrédients prometteurs, le scénario s'embarrasse de moins en moins de vraisemblance, finissant par donner une image assez caricaturale de la vie des quartiers, comme on dit, s'emballant en des scènes d'émeute assez grotesques, et ne servant, in fine, qu'à justifier des positions tout ce qu'il y a de réactionnaire, pour ne pas dire plus, sur l'autodéfense. Clint Eastwood, Charles Bronson, et maintenant Michael Caine : faites votre choix.

Crash-test :

Tout sur Mr Sait-Tout

2011-02-14T00:13:00.008+01:00

Les divagations de Mr Sait-Tout de Goscinny et Martial.

Il s'agit de l'une des œuvres les plus méconnues de René Goscinny, pour laquelle il s'était associé au dessinateur Martial, l'impérissable créateur du soldat daltonien Tony Laflamme, un artiste malheureusement un peu tombé dans un injuste oubli.

J'ai deux bonnes raisons d'avoir une tendresse particulière pour Martial. D'une part, on sent son trait emprunté, laborieux, hésitant, retravaillé, et les dessinateurs qui ne savent pas, ou mal, dessiner, ont droit non seulement à mon indulgence mais à mon admiration. D'autre part parce que ce livre, Mr Sait-Tout, fut le premier qu'on m'offrit qui ne fût pas des grandes séries de mon enfance : il y avait donc une vie dessinée au delà de Tintin, Astérix, Lucky Luke !

Passons sur l'anglicisme étonnant sous la plume de Goscinny qui lui a fait abréger "monsieur" en Mr au lieu de M. comme le veut notre bon vieux code typographique français, Mr Sait-Tout est une ode dessinée à la seule gloire du calembour, que dis-je, un panégyrique, un monument, une tapisserie de Bayeux entièrement dédiée au jeu de mot du plus mauvais aloi qui soit. Rarement billevesées davantage dénuées de bon sens auront jamais été couchées sur du papier, comme si les auteurs s'étaient ingéniés à donner matière à tous les reproches qu'il était encore de bon ton d'adresser à la bande dessinée dans les années 70.

Mr Sait-Tout, érudit spécialiste en tout, manifestement interné à juste titre dans un asile de forcenés, s'évertue à rapporter en quelques histoires courtes l'origine apocryphe de telle ou telle expression du langage courant, recourant à ses souvenirs, passablement lacunaires, des plus colorées des pages d'histoire d'un manuel pour écoliers primaires.

Mon spongieux cerveau fut des années durant imbibé des répliques les plus crétines de cet ouvrage hilarant. Ceci explique sans doute cela.

Enfin la vérité historique me commande de relater cette insigne anecdote, une scène qui se passa à Saint-Victor-sur-Loire (Loire) lors d'un festival de bande dessinée hébergé au château qui surplombe le lac ; délaissant un sale type ricanant derrière des lunettes fumées qui essayait de fourguer ses Hamster Jovial et autres Rhââ lovely, un gamin binoclard péniblement tenu en laisse par son papa obtint sa toute première dédicace de BD du sublimement sympatoche Martial, comme on peut le voir sur cette image (notez au passage l'originalité du motif) :

L'instant finlandais

2011-02-12T19:11:00.010+01:00

Very cold trip de Dome Karukoski.

Conte de fée neigeux. Défié par sa petite amie de lui trouver dans les vingt-quatre heures un décodeur pour regarder Titanic ou sinon ça va mal aller, un jeune chômeur de Laponie qui n'a pas inventé les congères part en expédition par une nuit d'hiver avec deux amis pas beaucoup plus finnois, et de malheur en malheur, va finir par triompher des épreuves, trouver une raison de vivre, et ravir la blonde.

Encore un grand bravo aux distributeurs français très inspirés qui n'ont rien trouvé de mieux que d'affubler un film finlandais (Napapiirin sankarit, les héros du cercle polaire) d'un titre en anglais inepte, espérant capitaliser sur la mémoire reptilienne de spectateurs qui auraient vu et apprécié Very Bad Things et Very bad trip (je mets des majuscules selon que c'est vraiment de l'anglais ou pas). Il ne manque plus que Very cold things, et la boucle sera bouclée. Un bien mauvais service rendu à un film qui méritait mieux que ça.

Car cette comédie loufoque qui prend le spectateur par surprise n'a absolument rien de pesant. On se demande même pendant un certain temps s'il s'agit vraiment d'une comédie, tant aucun effet n'est appuyé, aucune situation surexploitée, sans qu'aucun clin d'œil de connivence ne soit jamais adressé à la salle. Malgré des péripéties de plus en plus farfelues, le film ne donne jamais l'impression d'essayer d'être drôle, et y parvient d'autant mieux pour cette raison. On se laisse gagner par cette folie intérieure qui semble habiter tous les Lapons sans exception, spleen comique du genre que doivent partager les esquimaux au fond du congélateur.

Karukoski sait habilement conclure sa quête avec une certaine grâce désabusée, par un pied de nez au déterminisme, note finale de résignation optimiste qui fait échapper les personnages au suicide. Tant mieux.

Crash-test :

L'autre pays du fromage

2011-02-11T00:48:00.001+01:00

Moubarak, t'es foutu, les Vache-qui-rit® sont dans la rue !

Cygnes contradictoires

2011-02-10T00:20:00.001+01:00

Black Swan de Darren Aronofsky.

Pas de deux schizophrénique. Un petit rat de l'opéra de New-York est retenu par le maître de ballet tyrannique pour interpréter le double rôle du cygne blanc et du cygne noir dans une production du Lac des cygnes de Tchaïkovski. Broyée par le rôle, la danseuse va virer bredin.

La scène comme parallèle de la vraie vie, l'artiste qui devient son rôle, la fiction qui devient réalité... hum, oui, bon, tout ça n'est pas d'une extrême nouveauté et aurait donc mérité en contrepartie un traitement original. Las, outre ses désormais sempiternelles recettes de caméra à l'épaule, la seule idée notable d'Aronofsky aura été de céder à la tentation de recourir à des effets spéciaux numériques d'une finesse discutable pour matérialiser les visions cauchemardesques de Nina, la danseuse qui travaille du chapeau. Vincent Cassel, dont l'arrogance suffisante est d'autant plus ridicule qu'il s'exprime en anglais, fait certes face à une stupéfiante Natalie Portman. Mais le peu de suspense psychologique, créé en grande partie grâce au talent de cette dernière, est encore galvaudé par un final grandiloquent culminant avec, je vous le donne en mille, la mort du cygne. Ça alors.

Reste un film de genre qui ravira les amatrices de pointes et tutus qui ne posséderaient pas déjà Martine fait de la danse.

Crash-test :

Côté cuisine

2011-02-09T00:56:00.008+01:00

Marmites créoles, collectif.

J'ai pour règle de conduite d'éviter autant que faire se peut de mentionner dans ces cyber colonnes les ouvrages publiés par amis confrères et collègues, de peur de me voir reproché selon les cas excès de rudesse ou de flagornerie.

Je n'aurai donc pas l'outrecuidance de porter le moindre jugement de valeur sur le contenu de cet indispensable florilège, qui rassemble la fine fleur de la bande dessinée réunionnaise, chacun s'étant chargé d'illustrer en quelques planches une recette pays, mais je me sens contraint d'en faire une juste publicité puisque je m'étais résolu à y participer presque malgré moi, comme mes lecteurs les plus assidus s'en souviennent peut-être.

Il n'est à ma connaissance pas distribué en France hexagonale mais peut être commandé à l'éditeur pour une somme d'une modicité étourdissante au moyen de ce bon de commande.

Allons z'enfants

2011-02-08T01:15:00.003+01:00

En attendant le nouveau Temps béni des colonies, un vieux dessin recolorié.

Gerd Arntz et l'isotype

2011-02-07T20:40:00.027+01:00

Gerd Arntz (1900-1988), dessinateur, graveur et graphiste allemand, peut sans exagération être crédité de l'invention du pictogramme contemporain. Socialiste, révolutionnaire dans l'âme, il essaya constamment de traduire ses convictions dans son travail graphique en cherchant à le mettre à la portée du plus grand nombre.

En 1929 il s'exila tout d'abord en Autriche pour collaborer avec le philosophe et économiste Otto Neurath, qui travaillait à une encyclopédie de statistique visuelle, approche innovante des données économiques, et pour lequel il mit au point 4000 signes et symboles d'une modernité avant-gardiste, sous l'acronyme d'isotype pour International System Of TYpographic Picture Education, également connus comme la méthode viennoise de statistique picturale. L'isotype est l'héritier du hiéroglyphe antique adapté à l'ère des mass media.

En 1934, après l'avènement du nazisme, il se réfugia aux Pays-Bas, le temps de voir une de ses expositions censurée par les autorités du royaume sous la pression de l'ambassade d'Allemagne. Il avait eu le mauvais goût de produire une gravure prophétique intitulée Le troisième Reich.

Le troisième Reich.

Guerre civile.

La guerre le rattrapa, et en 1943 Arntz fut incorporé de force dans la Wehrmacht, expédié en France, où il se livra à la Résistance. Il retourna à la Haye après la guerre, continuant le travail de Neurath au sein de la Fondation pour la statistique (Mundaneum Institute).

L'extraordinaire nouveauté de sa pensée visuelle est encore confondante aujourd'hui. L'ascèse squelettique de son trait ouvre paradoxalement des possibilités infinies de projection mentale, qui atteignent une forme de perfection enfantine, au point qu'on se rend compte en revoyant son travail précurseur qu'il a été souvent imité depuis, rarement égalé (voir Le dessous des cartes sur Arte), jamais dépassé (comparez par exemple avec les typos livrées avec votre ordinateur Wingdings ou Zapf Dingbats...).

Chocolats

2011-02-06T12:14:00.012+01:00

Les émotifs anonymes de Jean-Pierre Améris.

Deux timides maladifs, l'un patron de chocolaterie, l'autre chocolatière, surmontent leurs peurs pour s'apprivoiser et s'aimer, et par dessus le marché sauvent leur entreprise de la faillite

Voilà encore un exemple de film sous-budgeté, sous-produit, qui aurait pu être un mauvais téléfilm et se retrouve sur nos écrans sous la forme d'un mauvais film de cinéma en attendant de devenir un objet de consommation télévisuelle familiale.

C'est pas que le sujet des deux timides n'aurait pas pu être intéressant, mais franchement le scénario aurait dû choisir entre l'histoire personnelle et celle de la chocolaterie en difficulté, encore que les deux intrigues n'auraient pas forcément eu beaucoup plus d'intérêt séparément qu'elles n'en ont en se côtoyant ainsi. Le problème, c'est que le film repose sur ses deux acteurs principaux, notamment Poelvoorde étonnant de retenue, et puis c'est tout. Scénario indigent, personnages secondaires oubliés, dialogues maladroits, montage convenu, scènes de comédie massacrées par un découpage excessif, musique grossière... voilà qui gâche un peu la ganache.

Crash-test :

Anselmologie

2011-02-05T00:09:00.016+01:00

Le trépas inopiné d'Anselme, inhumé hier, aura causé pas mal d'émoi à Tananarive, au Bourget, à la Réunion et ailleurs. J'ai compilé dans ce billet la plupart des chroniques qui ont pu lui être consacrées. J'en rajouterai ici même si j'en débusque d'autres.

Li-An
Totoche
Appollo
Antioche
La Crainte
Pov

Njaka Ratefynanahary

Madagate
La Gazette de la Grande Ile
Les Nouvelles
L'Express de Madagascar
Madagascar Matin
Taratra (en malgache)
Gazetiko (en malgache)

Clicanoo

L'île mystérieuse

2011-02-04T00:19:00.009+01:00

Vazahabe ! de Denis Vierge.

Vazahabé, c'est le gros Blanc : resté deux ans sans nouvelles de sa jeune épouse malgache choisie sur catalogue, un Français d'âge mûr n'a pas renoncé à elle. Il débarque à Madagascar des euros plein les poches et trouve l'aide d'un ancien légionnaire, plus au fait des us et coutumes locales, qui n'a pas son pareil pour retrouver une aiguille dans une meule de foin.

On ne peut pas dire que ce premier livre de Denis Vierge, prof de dessin de Bordeaux, que publie la maison genevoise Paquet, ait bénéficié d'un lancement marketing massif. C'est pourtant à ma connaissance un des ouvrages de bande dessinée les plus ambitieux qui aient jamais été consacrés à Madagascar, la grande île de l'océan Indien, mais ce n'est que très fortuitement que j'en ai eu vent sur internet.

Je m'apprêtais à en dire du mal, essentiellement par dépit en pensant à Anselme et à un certain nombre de dessinateurs malgaches, qui crèvent la gueule ouverte dans leurs rizières, alors qu'un vazaha comme Denis Vierge n'a eu qu'à se pointer, faire quelques jolis croquis pittoresques, emballer le tout dans un scénario de circonstance, et boum ! le voilà édité à Genève où il va pouvoir planquer tous ses droits d'auteur dans une banque replette à l'ombre du jet d'eau. C'est évidemment très injuste, non seulement pour les dessinateurs malgaches, pour Genève où l'on trouve aussi du très bon chocolat , mais aussi pour Denis Vierge, qui a tout de même l'air d'un brave type, à en juger par son site, et par l'interview qu'il a donnée ici, et n'est sans doute pas responsable des désordres du monde.

Alors évidemment, Vazahabe ! est un point de vue de vazaha sur la grande île, avec des personnages principaux vazaha auxquels peuvent s'identifier les lecteurs vazaha, montrant les Malgaches dans leurs rapports aux vazaha, mais justement assez confondant de réalisme, voire embarrassant, dans la mesure où il recense non sans justesse bien des expériences et des situations que connaissent tous les voyageurs qui mettent le pied à Madagascar, jusqu'à rapporter certains clichés qui ont hélas aussi un fond de vérité. Au final, l'incapacité du livre à percer tous les mystères de la société malgache traduit assez bien la fascination évanescente que la grande île peut exercer, splendide et misérable, qui sans cesse séduit et se dérobe sans jamais se dévoiler entièrement au visiteur. Ça n'est pas si mal vu.

Abédéma

2011-02-03T00:27:00.005+01:00

Sorti de mes archives, cet hommage à l'Abédéma, association des bédéistes malgaches, que j'avais réalisé pour un ticheurte, inspiré de la célèbre étiquette des bouteilles de bière malgache THB, la Three Horses Beer. En lieu et place des trois chevaux, on peut reconnaître (ou pas...) de gauche à droite Aimérazafy, Anselme, et Rado.

MMXI

2011-02-02T01:23:00.003+01:00

Nonobstant mon précédent billet, mes meilleurs vœux à tous les lecteurs de cette cyber gazette de plus en plus épisodique. Il était temps.

Feu Anselme

2011-02-01T18:21:00.020+01:00

Mauvaise nouvelle ce matin au réveil, Anselme, le plus grand artiste malgache de tous les temps, a été retrouvé mort chez lui à Tananarive, de causes encore indéterminées. Il avait cinquante-quatre ans. Les dessinateurs de bande dessinée ne font décidément pas beaucoup d'efforts pour faire progresser l'espérance de vie à Madagascar, puisque son frère Aimérazafy nous avait quittés il y a à peine plus d'un an.

Des doigts de ce dessinateur surdoué, génie autodidacte, l'encre de Chine semblait s'écouler aussi naturellement et avec la même furia que le rhum coulait dans ses veines. Cet éternel rebelle était aussi connu sous le sobriquet affectueux de Coty, car il partageait aussi le prénom de René avec ce président de la République Française, encore puissance coloniale à l'heure de sa naissance.

Lecteur avide, il était imprégné de culture française, et aurait pu en remontrer à plus d'un agrégé de lettres. Il avait connu ses plus riches heures dans les années 80 comme dessinateur embarqué dans des programmes de coopération internationale qui l'amenèrent à pas mal voyager en Afrique et aux Comores. Se liant ensuite avec l'équipe du Cri du Margouillat à la Réunion, il publia en 1999 un retentissant Retour d'Afrique (éditions Centre du Monde).

Peu suspect de bien-pensance, il conchiait les prétentions démocratiques tropicales avec la même vigueur qu'il dénonçait les dictatures militaires dont son île avait eu à subir un des plus beaux spécimens. Ses fulgurantes analyses politiques, ponctuées généralement de connard ! putain ! merde ! nègre ! feront date dans l'histoire du commentaire social.

Comme bien des grands artistes, Anselme Razafindrainibe aura été passablement déçu par la vie, qui le lui a bien rendu en ne l'épargnant guère. Eloigné de ses enfants, fâché à cause de sa grande gueule avec la quasi totalité de l'establishment tananarivois, travaillé tour à tour par l'orgueil et le désespoir, il dessinait pourtant toujours, et projetait une nouvelle publication chez l'éditeur parisien L'Harmattan.

Il était mon oncle. Il était mon ami. Veloma.

A lire sur ce blog : Côte à côte, par Anselme.

Père et fils

2011-01-13T23:22:00.005+01:00

Yoyo de Pierre Etaix.

Le tourbillon de la vie. Opportunément ruiné, un milliardaire solitaire choisit la vie de bohème pour rejoindre l'écuyère de cirque qui lui avait donné un fils. Devenu grand, riche et célèbre clown, ce fils va oublier la leçon et vainement parcourir le chemin en sens inverse, délaissant la vie de l'esprit pour les possessions matérielles, en croyant retrouver la splendeur paternelle passée.

Après un imbroglio juridique de presque vingt ans concernant la propriété des droits d'exploitation, les films qu'Etaix a co-écrits avec Jean-Claude Carrière dans les années 60 sont enfin à nouveau distribués en salles et en DVD.

Dessinateur, gagman, clown, Pierre Etaix se situe dans cette prestigieuse lignée de cinéastes issus du music-hall, tels Charlie Chaplin, ou son ami Jacques Tati, qui ont su transposer et adapter au grand écran leur sens visuel venu de la scène. Film profondément comique, drôle parce que triste et inversement, Yoyo, est surtout un grand film de cinéma au sens où pas un plan ne recèle au moins une idée de mise en scène. Donnant corps tantôt à des visions extravagantes, tantôt à des observations dérisoires, Etaix démontre ainsi un génie certain à tirer profit des moindres possibilités qu'offre le mode d'expression cinématographique.

Par une certaine ironie du sort, le film devient un peu moins convaincant, moins inspiré vers la fin, suivant en cela parfaitement son propos, au fur et à mesure que le clown se laisse happer par la marchandisation de la poésie et autres illusions de la vie moderne. Ce propos, et l'intention évidente d'Etaix de boucler la boucle de son film en laissant entendre que le fils suivra finalement la voie du père, sont malheureusement de moins en moins cachés, au risque d'apparaître alors comme un simple procédé scénaristique, lequel ne suffit heureusement pas, loin s'en faut, à disqualifier l'ensemble du film.

Car curieusement, tout doucereux, drôle et poétique qu'il soit, Yoyo est tout à la fois une fable philosophique et une charge politique, un commentaire acide sur le matérialisme, aussi contemporain et prémonitoire que peuvent l'être les Temps modernes ou Play Time, pour en revenir à Chaplin et Tati.

S'il faut se réjouir de pouvoir enfin redécouvrir l'œuvre de Pierre Etaix, il faut malheureusement se lamenter que ce type ait dû passer le quart de sa vie à s'épuiser dans une mesquine bataille de chiffonniers, au lieu de continuer à faire des films. Espérons qu'il n'a pas dit son dernier mot et qu'à quatre-vingts ans passés, il aura encore l'occasion de nous éblouir.

Crash-test :

Ma femme s'appelle reviens

2011-01-11T22:25:00.014+01:00

A bout portant de Fred Cavayé.

Pollywood. De garde la nuit dans un hôpital parisien, un malheureux aide-soignant se retrouve au mauvais moment au mauvais endroit, pris au milieu d'une fameuse querelle entre truands, flics, et ripoux, et doit cavaler au péril de sa vie pour sauver sa femme enceinte enlevée par des indélicats. A la surprise générale, il y parviendra quelques cadavres plus tard.

Film d'action parfait : rien à dire sur le scénario admirablement ficelé, rien à dire sur l'interprétation toujours parfaitement dans le ton malgré les prouesses physiques exigées des acteurs, rien à dire sur la réalisation remarquablement efficace à tenir le spectateur en haleine, rien à dire enfin sur la photographie qui donne ce sombre tableau du Paris contemporain.

Rien à dire si ce n'est que cette perfection à mener un film de pur divertissement trahit une fascination hollywoodienne à la fois creuse et vaine, qui m'a conduit à forger ce néologisme de Pollywood pour Hollywood made in Paris. A quoi bon s'échiner à fabriquer en France les mêmes films au savoir-faire époustouflant mais qui ne racontent, au fond, strictement rien, quand Hollywood se charge déjà d'en produire à la chaîne qui viennent encombrer nos écrans ? Est-ce là l'horizon du cinéma européen et plus particulièrement français que de devoir imiter les recettes du cinéma étasunien, en adopter à la virgule près les codes narratifs, invraisemblances comprises, sans savoir apporter un ton ou un point de vue un tant soi peu différent, un propos même sous-jacent politique ou social ou poétique de quelque intérêt ?

Comme un thriller hollywoodien, ce film se regarde. Et s'oublie aussitôt.

Crash-test :

L'aloi des séries, épisode 7

2010-12-13T01:14:00.000+01:00

Boardwalk Empire.

C'est la nouvelle série à sensation de la chaîne étasunienne HBO, qui vient d'achever de diffuser la première saison. Coproduite notamment par Martin Scorsese, elle s'intéresse avec brio à une époque assez peu traitée à la télévision, les années 20 et le début de la Prohibition aux Etats-Unis. Inspiré d'une figure historique réelle, le personnage central est un politicien à moitié mafieux qui est le véritable maître d'Atlantic City, ville balnéaire du sud du New Jersey qui a bâti sa fortune sur le jeu et autres plaisirs plus ou moins licites, et dont le front de mer se distingue notamment par sa longue promenade de planches (boardwalk en anglais).

L'époque a beau être peu traitée, Boardwalk Empire nous fait sentir combien elle est en fait une période charnière, dans l'immédiat après-guerre, qui voit l'émergence de la société de consommation, qui accompagne la prise de pouvoir du capitalisme industriel, provoquant des changements sociétaux considérables, parmi lesquels l'émancipation féminine. Avec un luxe de détails historiques, tant scénaristiques que visuels, la série fait heureusement écho à notre époque, la guerre contre l'alcool menée pour des raisons morales se révélant aussi illusoire et vaine que la guerre actuelle menée contre la drogue. On y voit même détaillé par le menu comment la Prohibition fut en fait un coup de fouet inespéré pour les activités commerciales de la pègre, gangrenant au passage toutes les institutions démocratiques.

Scorsese s'est fait un petit plaisir en réalisant lui-même le premier épisode, se déchaînant en travellings grandiloquents, et autres angles de prise de vue invraisemblables, oubliant que la télé réclame moins d'emphase. Heureusement, les autres épisodes ont été confiés aux mains plus expertes de vieux routiers des séries dont les noms ne diront rien à personne, comme Tim Van Patten, mais qui savent plus humblement quoique sans moins de talent se mettre au service du récit.

Enfin, entre autres qualités, Boardwalk Empire vaut pour pour une interprétation remarquable jusqu'au dernier petit rôle, écrit, casté et dirigé avec soin. Mais, à tout seigneur tout honneur, il faut distinguer à la tête de la distribution Steve Buscemi, qui démontre, si besoin était encore, l'étendue de ses capacités d'acteur, et à qui le cinéma n'a pas encore donné de rôle de même envergure.

Previously dans L'aloi des séries.
Besoin de sous-titres ? TVsubtitles.net.

Zinzins au Congo

2010-12-09T16:46:00.013+01:00

Intéressons-nous au premier Salon des auteurs africains de BD, organisé le week-end dernier à l'instigation de l'éditeur parisien L'Harmattan, qui se tenait à la mairie du cinquième arrondissement de Paris, sous le haut patronage de son invraisemblable maire Jean Tibéri, mais passons.

Car j'y suis allé essentiellement alléché par l'affiche d'un débat sur le thème "colonisation et décolonisation dans la bande dessinée", qui s'est réduit assez rapidement à un débat pour ou contre Tintin au Congo, vu qu'il réunissait les vedettes de la plainte déposée en Belgique en vue de l'interdiction de l'album d'Hergé, à savoir le plaignant, un certain Bienvenu Mbutu Mondondo, et son soutien (financier ?) le Français Patrick Lozès en sa qualité de président du CRAN (Conseil représentatif des associations noires), faisant face à deux dessinateurs, le Belge Jean-Philippe Stassen, et le Gabonais Pahé. Au milieu, une écrivaine colombienne enragée qui a monopolisé le micro en vociférant contre les crimes des Européens sans donner l'impression de s'intéresser le moins du monde de près ou de loin à la moindre bande dessinée.

Je résume : Hergé est responsable des guerres civiles et des crimes contre l'humanité au Congo, c'est à cause de lui qu'on refuse de louer des appartements aux Noirs, à cause de lui encore qu'on entend des cris de singe dans les stades où jouent des footballleurs noirs, et par dessus le marché, il a contraint Patrick Lozès à devoir expliquer à son fils que Tintin au Congo ne décrivait pas une réalité ni actuelle ni passée. Ce qui est tout de même terrible.

Peu de mystères auront été éclaircis autour des motivations et de la personnalité de Bienvenu Mbutu Mondondo, que Pahé décrit ironiquement comme un Congolais belge, jeune étudiant d'une quarantaine d'années, et qui ne nous a notamment pas dit ce qu'il ferait, une fois l'interdiction obtenue, des exemplaires de Tintin au Congo qu'il doit posséder en grand nombre, vu qu'on ne le voit plus jamais sans. Guère de lumière aura été portée sur le sens du soutien du CRAN de Lozès à une action visant à interdire Tintin au Congo en Belgique quand lui-même en tient pour la simple insertion d'un avertissement en préambule de l'ouvrage.

Stassen a essayé de défendre une position extrême, à savoir l'opposition de principe à toute censure. C'est aussi la nôtre, où Mein Kampf en bande dessinée serait distribuée aux enfants des écoles pour leur édification.

On se demande encore pourquoi ces nouveaux ayatollahs s'en prennent exclusivement à Tintin au Congo, alors que l'album L'étoile mystérieuse dégage de forts relents d'antisémitisme, que des épisodes de Jo, Zette et Jocko montrent des petits nègres cannibales plus ridicules que ceux de Tintin au Congo, et qu'ailleurs dans la BD, dans Buck Danny, dans Astérix, Lucky Luke, merci de compléter ma liste, les stéréotypes raciaux voire racistes coulent des jours heureux. Mais à vrai dire, là où je suis horriblement vexé, c'est que personne ne songe à interdire Le temps béni des colonies.

Prenons la fuite

2010-12-05T01:23:00.030+01:00

Wiki : terme hawaïen signifiant rapide. Leak : mot anglais pour fuite, comme en plomberie. Mais vu que wiki a pris le sens de "site ouvert aux contributions des internautes", il faudrait donc accorder au terme Wikileaks le sens de "fuites contributives".

Dans le dernier cas d'espèce qui vaut à l'organisation Wikileaks un regain de gloire mondial, un seul contributeur aurait été identifié, Bradley Manning, un pauvre gamin de 23 ans servant sous la bannière étiolée (ce n'est pas une faute de frappe) en qualité de spécialiste du renseignement (de ce côté là c'est assez réussi) qui en pianotant au petit bonheur la chance sur son ordinateur, aurait mis la main sur 250 000 (à la louche) télégrammes diplomatiques du département d'Etat étasunien, les aurait téléchargés aussi sec sur sa clé USB, et les aurait transmis à Wikileaks pour être rendus publics urbi et orbi. Mais bien sûr.

De deux choses l'une. Ou bien on se fiche de nous maintenant, et ces informations ne fuitent pas très innocemment, qui qu'elles servent. Ou alors on se fiche de nous le reste du temps en nous faisant croire que les Etats-Unis sont une hyper puissance technologique naviguant à des années-lumière devant le reste de la techno-planète, quand le premier geek venu peut mettre à plat toutes ses cyber-défenses en trois clics, auquel cas je serais Al-Qaida, j'embaucherais séance tenante une armada de Bradleys Mannings. A moins qu'on ne se fiche de nous en général, ce qui ne peut pas être totalement exclu.

Un sérieux problème de robinet à résoudre.

Evidemment vexés, pour le moins, non tant par les révélations d'un intérêt très relatif contenues dans ces câbles (Qui vous savez est petit et énervé, Berlusconi aime les putes, Merkel s'endort chaque soir à 16h30, etc...), que par le fait de s'être fait prendre par plus petit que soi, les gouvernements quasi unanimes, à commencer par ceux des supposées démocraties, dont le nôtre, à l'unisson avec ceux des pays les plus progressistes comme la Russie ou la Chine, ont sonné l'hallali contre Wikileaks.

A vrai dire, la réaction ulcérée des chancelleries mondiales paraît mystérieusement disproportionnée rapportée à la valeur assez anecdotique, quoiqu'historiquement intéressante, des télégrammes révélés. On voit par là que Wikileaks a dû toucher un nerf, bien plus douloureusement que lors des précédentes campagnes de publications de documents militaires US consacrées notamment à l'Irak ou à l'Afghanistan. C'est un système mondial, vieux comme le monde, de relations diplomatiques, contenant sa juste part d'hypocrisie, qui se trouve mis à nu et ridiculisé, tout comme est rendue ridicule l'incapacité du département d'Etat à protéger ses petits secrets.

Et la contre-attaque est fulgurante, et tous azimuts. Tout d'abord contre Wikileaks et son porte-parole, l'énigmatique Australien Julian Assange. Le premier étant l'objet de tracasseries multiples visant à le rayer de la carte du net, le second étant traîné dans la boue avec de fort suspectes accusations de viol en Suède. Bon, à la rigueur, c'est au moins dans la logique des choses. Notons au passage comment en France même un illustre ministre de l'Industrie se prend pour Anastasie en réclamant la censure technique du site. Je suis bien naïf, me rétorquera-t-on, mais les bras m'en sont tombés. Voilà pour qui croyait vivre dans un Etat de droit, si ces mots ont encore un sens.

La seconde phase, qu'on commence à sentir poindre, est, à travers de Wikileaks, une mise en accusation d'Internet tout entier en tant que tel, et un appel à sa mise sous tutelle étatique (voir notamment l'effarant projet du Sénat étasunien COICA, qui fait écho à notre Hadopi que le monde entier nous envie). Au nom bien sûr de la protection des citoyens. Dont, que je sache, Wikileaks a occis moins que les services diplomatiques acharnés à sa perte. Irresponsables, dangereux, totalitaires, sont les savoureux qualificatifs qu'on entend revenir en boucle dans la bouche des gens respectables aux affaires ou aspirant à y revenir, comme si les services secrets, bras armés des nations, n'étaient que Bisounours responsables, inoffensifs, et adeptes de l'autogestion coopérative décentralisée. Un peu comme le 11 septembre avait permis de justifier l'invasion de l'Irak, l'affaire Wikileaks permettrait de museler Internet, bien qu'il n'y ait guère plus de lien entre le cablegate et Internet qu'il n'y en avait entre l'Irak et le 11 septembre.

Car Wikileaks serait le pur produit d'Internet, ce qui est factuellement parfaitement faux. Wikileaks a procédé ni plus ni moins à un travail journalistique basique : la vérification, l'analyse, et la publication de documents intéressant l'opinion publique. Comme le fait tout journaliste d'investigation en presse écrite en publiant par exemple les déclarations de revenus de personnalités ou des PV d'auditions dans des procédures judiciaires traitant d'affaires politiques. Personne alors ne demande la mise sous tutelle ou la saisie des imprimeries et des stocks de papier. Personne alors n'accuse les journalistes de viol ou de pédophilie. Quoique. Le seul tort de Wikileaks serait donc de vivre avec son temps et de changer d'échelle grâce à la technologie en mettant à la disposition d'un public mondial des sommes de documents jamais vues.

On en vient à soupçonner que finalement le plus insupportable pour nos chers dirigeants et grands leaders, si unanimement indignés, c'est de se retrouver, arroseurs arrosés, soudain nus dans le feu des projecteurs, quand ils n'aspirent qu'à l'ombre. A tous les citoyens dans l'œil des caméras de surveillance omniprésentes, soumis à des contrôles d'identité, à des palpations de sécurité, suspects permanents, ne répètent-ils pas qu'il n'ont rien à craindre s'ils n'ont rien à se reprocher ? Voilà la formule retournée contre ses auteurs.

Wikileaks, dont le fonctionnement peut parfois paraître énigmatique, doit être remercié quand ce ne serait que pour ça.

Election piège à con

2010-11-30T00:55:00.031+01:00

Je commence à en avoir plein les oreilles, alors à nouveau je prends ma plus belle plume pour tordre le cou à un exaspérant travers linguistique qui dévaste la presse, parlée ou écrite, le microcosme politique qui n'avait pourtant guère besoin de dévastation supplémentaire, et jusqu'à la plèbe des manants imbéciles, fût-ce à son corps électoral défendant. Un travers qu'on retrouve jusque dans la bouche fétide de certains des plus endimanchés politologues autoproclamés. Il est donc temps que j'intervienne, parce qu'on a pas fini d'en avoir soupé avec ça : les élections présidentielles !

Eh bien non chers amis rachitiques du bulbe, toxicomanes mondains, et autres lettrés en bas de casse exclusivement, il n'y aura pas en 2012 plusieurs élections présidentielles dans notre jadis beau pays de France, mais bien une seule. Je ne vois pas bien comment il pourrait y avoir davantage d'élections qu'il n'y aurait d'élus qu'elles servent à désigner, et dans la mesure où on ne cherchera à élire qu'un seul bon Dieu de président de la foutue République, il n'y aura ipso facto qu'une seule, fût-elle à deux tours, élection présidentielle. Singulier . Sans "s".

Pour élire plusieurs députés : des législatives. Pour élire un seul président : une présidentielle. Ou alors il va falloir s'en fader plusieurs, et personne ne m'a prévenu.

Notez au passage que la même crétinissime erreur est commise, au premier chef par ses propres promoteurs, au sujet de l'élection primaire visant à choisir un candidat au sein du Parti mollement socialiste. Pour élire un seul candidat : une seule élection primaire (c'est-à-dire précédent la présidentielle), d'autant que pour ce que j'en ai compris, elle se déroulera simultanément dans tout le pays avec une seule liste de candidats et servira à désigner un seul et unique heureux élu. C'est à dire le candidat. Tout le monde suit ?

Une élection présidentielle. Une seule, et hop !

Je ne me fais pas plus bête que je ne suis, je sais très bien d'où provient cette vogue du dernier chic décérébré : mais on est pas aux Amériques ici ! Car aux Etats-Unis, de fait, s'il n'y a bien comme chez nous qu'un seul président élu in fine, les électeurs de base n'élisent pas le président mais des grands électeurs, Etat par Etat, qui eux-même désignent, en général sans grande surprise, le président de l'Union. Il y a donc en fait simultanément au sein des cinquante Etats des élections servant à désigner une tripotée de grands électeurs. On peut donc à la rigueur admettre en tenant compte de ce mode de scrutin joliment tarabiscoté, qu'il s'agit là d'élections. Présidentielles. Pluriel.

Même topo pour les tours de primaires, qui se déroulent sur plusieurs semaines à l'instigation des deux grands partis, qui sont en fait un collage de cent élections, une pour chaque parti pour chaque Etat, selon des modes de scrutin et autres modalités variables, où des délégués de l'Etat à la convention de chaque parti sont élus. Et ce sont les conventions qui désignent formellement les candidats, pas les primaires. Le PS va tenir une damnée convention ? Pas que je sache.

Bon là, je crois avoir fait le tour, et servi une leçon définitive à tous les professionnels de la langue française inévitablement appelés à se colleter au sujet. Veuillez donc dorénavant ne plus mentionner qu'au seul singulier l'élection présidentielle de 2012, et son préalable la primaire du Parti prétendu socialiste. Et tenez-vous le pour dit. Sinon je vote Marine aux élections.

Nota bene : les extraits des pages roses m'ont été aimablement prêtés par qui vous savez.

Sirop durable

2010-11-28T13:14:00.010+01:00

Certains s'échinent dès leur plus jeune âge dans des émissions de télé-crochet en espérant voir leur talent parfois bien ténu recevoir l'éphémère onction électronique des masses, d'autres se pointent, branchent le micro, et se vident les tripes aussi ingénument qu'une gamine de la Belle Province enduit ses pancakes de sirop d'érable.

La québécoise Nikki Yanofsky fait partie de cette deuxième énervante catégorie, qui à seize ans à peine fait l'étalage de capacités vocales hors du commun doublées d'une qualité d'interprétation qu'on imagine découler d'une personnalité bien trempée. Elle vient de sortir un nouvel album, portant son simple prénom, de standards du jazz en tout point décoiffant, après un premier il y a deux ans en hommage à, excusez l'immodestie, Ella Fitzgerald.

Rarement enfant prodige aura été aussi convaincant depuis Judy Garland (dont Nikki Yanofsky reprend comme par hasard Over the Rainbow sur son nouvel album). Je vous la laisse écouter, elle avait treize ans.

Et si elle veut, elle scatte. Notez comment les Montréalois préfèrent braver les intempéries et les éléments déchaînés pour venir l'écouter plutôt que de rester bien au sec chez eux à se goberger de sirop d'érable.

Ouf.
Permettez moi de me relever, j'étais tombé par terre.

Perdu de vue

2010-11-21T18:17:00.005+01:00

Il n'est pas dans les habitudes de votre cyber gazette favorite d'emprunter ses contenus à d'autres publications du web, mais enfin il serait dommage que la petite pépite dénichée par l'excellent blog de notre bon ami Li-An ne rencontrât pas toute l'audience qu'elle mérite. Aussi est-ce sans le moindre scrupule que je vous invite à mon tour à vous délecter de ce petit court métrage produit par trois étudiants taïwanais de la National Taiwan University of the Arts, qui seraient bien inspirés de persévérer dans le cinéma d'animation. On aura déjà vu des oscarisés moins talentueux...

A tous les enfants qui sont obéissants...

2010-11-07T19:37:00.004+01:00

Aglaé et Sidonie.

La chanson du générique de cette série (qui n'est, reconnaissons-le, pas d'une complexité dodécaphonique) ne m'a pas quitté depuis mes trois ans quand je regardais à l'ORTF les aventures de cette basse-cour de haut vol. Aussi quelle ne fut pas ma surprise (mon sang n'a fait qu'un tour) quand je suis tombé sur une réédition en DVD de cette création d'André Joanny.

Dire que l'animation n'a pas vieilli serait légèrement exagéré, pourtant on y voit tout de même une étape non négligeable quelque part entre Ladislas Starevitch et Nick Park. Les épisodes sont brefs, mais la langue qui y est parlée, notamment par Croquetout, le renard rusé (c'est à dire qui se fait toujours avoir) ou par le coq imbécile Agénor, est un pur délice, à des lieues et des lieues du nivellement par le bas auquel se croit contrainte la quasi totalité des séries jeunesse contemporaines.

C'était mieux avant, serait-on alors tenté de conclure, conforté par l'impressionnante impression que produisent Aglaé, la cochonne, et Sidonie, l'oie, sur une gamine de deux ans et demi, filant trois, à la grande stupéfaction des parents.

Le sabre et le goupillon

2010-11-01T00:16:00.015+01:00

Des hommes et des dieux de Xavier Beauvois.

Fait divers philosophique. Les derniers jours des moines français de Tibéhirine en Algérie, morts en 1996, pris au milieu de la guerre sans merci que se livraient alors des rebelles islamistes et les forces de sécurité. Le nouveau film du cinéaste préféré de qui vous savez.

Tout d'abord une petite mise au point, pour préciser que ce film n'est évidemment pas une bondieuserie, mais une réflexion assez pertinente sur le sens de la vie, de l'engagement, et du sacrifice. Peu de suspense, dans la mesure où l'issue inéluctable du film n'échappe pas plus aux spectateurs qu'aux principaux intéressés, les moines eux-mêmes. C'est d'ailleurs là la clé du film et sa force : la conscience de leur fatal destin confond les personnages sur l'écran et les spectateurs dans la salle, où l'on est alors plus à même de partager les moments de terreur que traversent les moines lorsqu'ils comprennent les implications tragiques de leur choix de rester au monastère envers et contre tout.

Sans être un film à proprement parler chrétien, car Beauvois jette un regard sans beaucoup d'empathie, assez glacial, sur ces moines, il y est tout de même beaucoup question de foi. Ce que le film donne à voir avec humanité, c'est comment ces hommes de Dieu, qui vénèrent un martyr bi-millénaire, se retrouvent par le jeu des circonstances en position de vivre pour de vrai l'essence même de leur religion, en suivant très prosaïquement le chemin du Christ, et comme lui de donner leur vie par amour. La scène de la cène (le dernier repas) signe de façon évidente ce parallèle christique. S'appuyant sur une mise en scène très sèche, d'un dépouillement tout monacal, Beauvois analyse avec subtilité les chemins divergents qu'empruntent les différents frères pour accepter leur sort, avec une humilité de surface qui n'est pas exempte d'un paradoxal orgueil. Car il y a de l'orgueil à se croire partie intégrante du paysage algérien, quand à l'évidence, ces intrus, européens, chrétiens, sont un corps étranger que l'Algérie en proie à des convulsions s'apprête soit à détruire soit à expulser. Le monastère gênait en effet autant les islamistes que les forces de sécurité (terme générique englobant armée, gendarmerie, police, services secrets) qui les combattaient.

Encore aujourd'hui, nul ne sait exactement ni comment ni par qui ni même pourquoi les moines de Tibéhirine ont été tués. Sans prendre parti, Beauvois fait tout de même allusion aux plus récentes théories en montrant au cours du film un hélicoptère militaire qui survole longuement le monastère de façon menaçante, façon Apocalypse Now... Il laisse cette énigme en suspens avec son époustouflant dernier plan, où les moines marchant dans la neige finissent par disparaître avalés dans la brume. Rideau.

Crash-test :
A lire aussi, l'histoire moins connue d'autres hommes et des dieux.

Memphis Blues

2010-10-30T13:22:00.007+02:00

Cyndi Lauper n'est pas morte, elle fait partie de ces filles qui veulent juste s'amuser, nous montrer leurs vraies couleurs, toujours et encore. Seulement elle se met à chanter le blues, accompagnée par le pianiste néo-orléanais Allen Toussaint (et B.B. King sur l'album). Non sans un certain succès. C'est tellement beau qu’on en pleurerait, si seulement on avait un cœur.

Affaire Guerlain : levée de boucliers

2010-10-25T14:03:00.002+02:00

Independence Day

2010-10-24T18:31:00.001+02:00

Hors-la-loi de Rachid Bouchareb.

La décolonisation pour les nuls. Des massacres de Sétif en 1945 à celui de Charonne en 1961, l'itinéraire de trois frères algériens en France, impliqués à des degrés divers dans le mouvement de libération nationale. Un intello, un vétéran d'Indochine, un mac. L'un porte des lunettes, l'autre a le visage balafré par des cicatrices de guerre, le troisième porte son chapeau de travers. Saurez-vous les retrouver ?

A mon grand dam, quoiqu'instruit par l'expérience potentiellement désastreuse d'Indigènes du même réalisateur, que j'avais prévu de voir en vidéo, avant d'arrêter le lecteur après cinq minutes d'affligeantes inepties visuelles, je me suis forcé à rester jusqu'au bout de deux heures dix-huit d'indigeste sous-cinéma.

Rachid Bouchareb confond le cinéma et l'illustration. Il décrète l'émotion sans se donner la peine de chercher à la susciter, se reposant sur des dialogues explicatifs auxquels l'image vient abonder, faisant du pléonasme visuel un style à part entière, où aucun archétype ni aucun cliché ne nous est épargné. Le scénario, qui au demeurant n'est pas à sens unique, il ne glorifie pas les uns pour exonérer les autres, est surtout réducteur, au sens où il plie tant les personnages que les situations à l'intention des auteurs, en faisant fi de toute logique narrative, en même temps que de toute cohérence de mise en scène. C'est le triomphe de la lourdinguerie téléfilmesque, sous prétexte d'édification des masses.

Est-ce à dire que ce film, ou prétendu tel, est totalement dépourvu de toute qualité ? Curieusement non, la photographie et la direction artistique, lumière, décors et costumes, étaient plutôt intéressants, notamment la recréation du bidonville de Nanterre à la fin des années 50, improbable et incongru personnage de cinéma, à ceci près que Bouchareb n'en tire aucun parti. La scène du mariage est à cet égard passablement ratée. N'est pas Coppola ou Cimino qui veut.

Reste à espérer que ce ne soit pas Bouchareb qui se mette en tête de filmer l'histoire de Rachid Mekhloufi, héros de l'A.S. Saint-Etienne et du football algérien...

Crash-test :